Las críticas de cine de la semana: 'Ambulance. Plan de huida', 'La ciudad perdida', 'Compartimento Nº 6', 'Gagarin'...

Michael Bay pisa a fondo

Dado que Michael Bay es uno de los principales exponentes del maximalismo cinematográfico, al menos en términos de tamaño Ambulance. Plan de huida puede considerarse un desvío en su carrera; la rodó en medio de las limitaciones impuestas por la pandemia, en solo 36 días y con un presupuesto, 40 millones de dólares, inusualmente reducido según sus estándares. Similarmente, su base argumental es de una sencillez desarmante: dos hermanos roban un banco, pero el atraco sale mal y la pareja acaba escapando de la policía a bordo de una ambulancia, junto a un agente herido y una auxiliar paramédica, a través de las calles de Los Angeles; en otras palabras, el tipo de premisa ideal para un thriller sucinto y directo de hora y media. Por supuesto, Bay no hace películas sucintas y directas, y eso explica que Ambulance se prolongue durante 135 minutos que funcionan a modo de muestrario tanto de las mejores virtudes como de los peores defectos que definen su método creativo. Algunas de sus secuencias apabullan gracias a su energía motriz y su ingenio visual; otras no aportan más que subtramas innecesarias y apuntes cómicos casi siempre lamentables.

Como de costumbre a lo largo de su carrera y sobre todo en su obra más reciente, Bay se muestra más interesado en el tipo de excesos estilísticos que saturan el lóbulo occipital que en menudencias como la coherencia narrativa y la precisión argumental a las que las mejores ficciones de atracos recurren para atrapar al espectador; pedirle lo contrario precisamente a él sería como pedirle consejo matrimonial a una farola. Su fuerte son las persecuciones por carretera, y la que ocupa la mayor parte del metraje de Ambulance es una de las mejores de toda su filmografía, tanto por la hiperactividad general de la que la cámara hace gala mientras la captura -incluso mayor de la habitual en las películas de Bay, y decir eso es decir mucho- como porque incluye las imágenes grabadas con drones más deslumbrantes que el cine ha usado hasta la fecha.

Inevitablemente, en todo caso, Ambulance va quedándose sin gasolina. Llegado el momento, el vehículo titular da la sensación de moverse en círculos en lugar de avanzar, en buena medida porque Bay no se preocupa por conectar narrativamente cada secuencia de acción con la siguiente ni por explorar mínimamente los asuntos por los que el relato da muestras puntuales de interesarse -las miserias del sistema sanitario y el honor entre ladrones, entre otros-; no queda claro adónde se dirigen los personajes ni lo que necesitan para escapar, y ninguno de ellos experimenta cambio significativo alguno a lo largo de su periplo. Los intentos de hacernos creer lo contrario que la película lleva a cabo en sus postrimerías resultan sensibleros y más bien risibles.  

Pese a ello, en todo caso, Ambulance no solo merece ser considerada el mejor trabajo de su director en las últimas dos décadas, en parte porque es menos sexista, menos reaccionaria y menos homófoba -hasta incluye un personaje gay, que apenas es objeto de burlas- que el grueso de su cine previo; también exige ser valorada en términos comparativos porque, ahora que la mayoría de blockbusters se fundamentan en el exceso de efectos digitales, resulta estimulante contemplar una película de acción que ha sido rodada en el mundo real y no frente a una pantalla verde. Y, en ese sentido, resulta imposible no rendirse ante la ironía: hemos pasado años señalando a Bay como una de las mayores amenazas para el cine de Hollywood, y ahora va a resultar que, en cambio, es un ejemplo a seguir. - Nando Salvá.

Una jungla pavimentada

El tercer largometraje de Aaron y Adam Nee es lo más parecido a un remake de Tras el corazón verde (1986) -en otras palabras, la historia de una escritora de novelas románticas que acaba inmersa en una aventura parecida a las tramas de sus libros junto a un tosco galán que la ayuda a buscar un tesoro- que nadie podría permitirse dirigir sin tener que pagar derechos de adaptación. Si ni esa flagrante falta de originalidad ni su escaso refinamiento visual o la insipidez de sus secuencias de acción le impiden ser disfrutable es exclusivamente gracias a las dosis de química que Sandra Bullock y Channing Tatum comparten dando vida a sendos personajes que, eso sí, podrían interpretar mientras duermen: ella, una mujer inteligente, dominante y fácilmente impacientada; él, un idiota noblote y dotado de una anatomía privilegiada.

Por otra parte, la fiabilidad que sus protagonistas derrochan en papeles hechos a medida -y que secundan Daniel Radcliffe en la piel de un villano por momentos hilarante y Brad Pitt en modo autoparódico- hace que La ciudad perdida dé la sensación de avanzar con el piloto automático, algo que agravan las limitaciones de los Nee a la hora de dotarla de la energía y la capacidad de sorpresa propias de la buena comedia; es una película meramente afable y tan solo capaz de provocar sonrisas, y que no necesita más que unos minutos para desaparecer de la mente del espectador sin dejar mucho rastro. - Nando Salvà

Extraños en un tren

Una joven finlandesa que estudia arquitectura en Moscú y un joven ruso más bien machista coinciden en el mismo compartimento de un tren que los lleva hasta la ciudad de Múrmansk, donde ella va para ver unas pinturas rupestres, y él para trabajar en una mina. No se parecen en nada. Él se emborracha y la insulta. Ella manda mensajes sin respuesta a su novia rusa. Pero desde el primer momento se intuye que más pronto o más tarde habrá un amago de conexión, y que una cosa conducirá a la otra, aunque este no sea ni mucho menos un melodrama romántico con final feliz.

Esta película finlandesa centrada en dos personajes completamente antagónicos puede verse, a ratos, como una especie de variación, más arisca y oscura, de Antes de amanecer, la primera entrega de la famosa trilogía de Richard Linklater, con la salvedad de que en aquel filme los protagonistas, que también se conocían en un tren, tenían bastantes más puntos en común. Aquí se trata de mostrar como el acercamiento mutuo se produce con cierta normalidad pese al rechazo inicial que él provoca en ella. Las diversas paradas del tren procuran concretas y reveladoras salidas al exterior del opresivo espacio del compartimento número seis, y es en estos breves pasajes donde las disputas y diferencias tienden a diluirse. Ambos son personajes necesitados de algo que en ese momento no tienen, y Juho Kuosmanen –director de un anterior e interesante largometraje sobre un boxeador, El día más feliz en la vida de Olli Mäki (2016)– se las ingenia para dar credibilidad a este acercamiento que tiene tanto de descubrimiento como de carencia. - Quim Casas

Poesía 'sci-fi' en la 'banlieue'

En 1963, el astronauta ruso Yuri Gagarin, el primer hombre que viajó al espacio exterior, inauguró en los suburbios de París un complejo de viviendas que tomó su nombre. Allí se realojó a muchas familias inmigrantes o en riesgo de exclusión social hasta que, hace unos años, fue demolida. Este hecho real es el punto de partida que utilizan los debutantes Fanny Liatard y Jérémy Trouih para componer una fábula repleta de imaginación en la que se mezcla el elemento social y la ciencia ficción de manera insólita. 

El protagonista se llama Youri, y vive en las Torres Gagarine. Sabe que el espacio donde ha vivido hasta el momento está a punto de llegar a su fin, así que iniciará su particular aventura de resistencia en la que los bloques de edificios de estilo soviético se convertirán en las estancias de una nave espacial. Los directores ofrecen una mirada diferente a la banlieue, mucho más cálida y amable de lo que estamos acostumbrados, en la que la gente lucha día a día por su supervivencia en un entorno hostil y en la que no solo hay violencia y drogas, sino también risas y esperanza. Así, la juventud de los personajes contrastará con ese lugar que está destinado a morir. Por el camino, lucharán, soñarán y demostrarán que incluso en los espacios más decrépitos, se puede construir un hogar. - Beatriz Martínez

Una arriesgada pesadilla

Resulta complicado hallar en el panorama nacional obras que generen tanta extrañeza como Contando ovejas. José Corral Llorente toma muchos riesgos en su ópera prima, que se erige como una obra inclasificable, repleta de ideas kamikazes y con un fondo turbio e incómodo que la recorre de principio a fin.

Procedente de la animación, el director integra su bagaje en la ficción, y lo hace convirtiendo las maquetas que aparecen en la película en seres que parecen sacados del universo de Maurice Sendak. A partir de esta idea, construye una fábula claustrofóbica en un edificio ruinoso y sórdido en el que un joven inadaptado se enfrenta a sus propios demonios. Así, nos sumergimos en una pesadilla en la que no quedan del todo claras las líneas que separan la realidad de la imaginación, la noche y el día, casi como si nos encontráramos en un estado mental suspendido en el que la fragilidad psíquica se convierte en elemento monstruoso.

Eneko Sargardoy compone un personaje al límite, tan oscuro como la película, y junto a él, toda una serie de personajes degradados van apareciendo en los rellanos de una escalera en la que se respira frustración y soledad, en la que hay drogas y violencia. Una rara avis a medio camino entre el thriller psicológico y el reverso oscuro de La ciencia del sueño de Michel Gondry. - Beatriz Martínez