Las críticas de cine de la semana: 'Morbius', 'Canallas', 'Para Chiara', 'Atrapados en la oscuridad', 'Ámame'...

La sangre es vida y muerte

Esto de los universos cinematográficos de los superhéroes es un no parar. Jared Leto fue el Joker de DC en Escuadrón suicida y ahora encarna al Morbius de Marvel. Michael Keaton fue el Batman de Tim Burton y ahora lo tenemos traspasado a los universos Marvel encarnando a Buitre, uno de los enemigos de Spider-man, aunque su aparición en Morbius es tardía. Tanto sirves para un superhéroe como para un supervillano, aunque Morbius no sea exactamente eso y se parezca mucho a Blade, el personaje afroamericano mitad vampiro mitad humano de DC.

Michael Morbius es un bioquímico que busca la curación a sus problemas físicos a través de la fusión entre ADN humano y ADN de murciélagos, con los resultados acostumbrados en estos casos. Pero la película realizada por Daniel Espinosa, un director que ha hecho de todo sin destacar en nada, se sitúa en un territorio bien distinto al del habitual del ecosistema superhéroes: es más una película de ciencia ficción que un producto Marvel tradicional, un relato de vampiros lejos de los axiomas de esta variante genérica. Se había dicho que era tan mala –las redes sociales tienen estas cosas–, que sorprende más que gratamente. No es la mejor de Marvel, por supuesto, pero es de largo una película interesante repleta de buenísimas ideas.

Por ejemplo, la concepción del héroe –o antihéroe–, de configuración muy atávica, y la del villano. O la secuencia del asesinato de una enfermera en el pasillo de un hospital cuyas luces se encienden y apagan convirtiendo la amenaza en algo aún más inquietante. Aquí la sangre es vida y muerte. Y está bien contado. - Quim Casas.

Risas entre granujas, chanchullos y negocios de medio pelo

Si hay algo que define el cine de Daniel Guzmán, es el amor por sus personajes. Nunca se encarga de juzgarlos y siempre los muestra sin filtros, con sus luces y sus sombras, con sus zonas oscuras y entrañables. Así, sus repartos siempre demuestran una extraordinaria capacidad para traspasar los límites de la pantalla gracias a una transparente cercanía. En su ópera prima, A cambio de nada ya practicó la mezcla entre actores profesionales y naturales, y fruto de esa combinación surgieron personajes memorables, como el que interpretó su propia abuela, Antonia Guzmán. 

Ahora repite la jugada en Canallas, una película concebida alrededor de un señor llamado Joaquín González, interpretado por el propio Joaquín González, que simbolizaría algo así como el típico caradura español que se mete cada vez en más líos, pero que en el fondo tiene buen corazón. Una actualización del pícaro de toda la vida adaptada a los nuevos tiempos de los chanchullos y los negocios de medio pelo. Nunca sabremos lo que es ficción o realidad, lo que es verdad o mentira, algo que le sirve a Guzmán para generar un dispositivo cómico mucho más preciso de lo que pudiera parece a simple vista y que funciona (a pesar de algunas caídas de ritmo en su parte central) de manera desprejuiciada y retozona, paródica y autoconsciente, mirando de frente a clásicos de nuestro cine como Atraco a las tres. - Beatriz Martínez.

Otra forma de rebeldía juvenil

Retrato de una adolescente que descubre la implicación de su propia familia en la mafia, Para Chiara es la entrega final de la que Jonas Carpignano ha definido como su Trilogía Calabresa. Como en Mediterranea (2015) y A Ciambra (2017), centradas respectivamente en la inmigración y la comunidad gitana, en ella el director italiano retrata la localidad de Gioia Tauro -uno de los principales centros de actividades de la temible Ndrangheta- con autenticidad propia del cine documental matizada a base de habilidad a la hora de dotar las imágenes de carga poética y atmosférica.

Especialmente durante su primera parte, Para Chiara desatiende a los gánsteres para explorar la confusa psicología y las emociones contradictorias de su personaje titular y recordarnos cómo, a menudo, crecer significa comprender cuánto ignoras acerca de tus seres queridos; es entonces cuando resulta especialmente absorbente. A partir de entonces va perdiendo interés a medida que adopta los contornos de un thriller y acumula incidentes de forma algo artificiosa con el fin de situar a su protagonista en una encrucijada e ir fabricando una conclusión para el relato. Lo que no se resiente en el proceso, eso sí, es la capacidad de Carpignano para capturar con seductor naturalismo un entorno en el que las interacciones sociales están marcadas por la pobreza, el racismo y el crimen, y para tocarnos la fibra sin recurrir al sentimentalismo o la cursilería. - Nando Salvà.

Pesadilla sobre ruedas

Después de participar como actor en algunas películas neozelandesas bastante chifladas (como Ovejas asesinas) y de labrarse una carrera como cortometrajista, James Ashcroft debuta en el largometraje de forma contundente y con las ideas muy claras, demostrando una extraordinaria capacidad para crear atmósferas opresivas, para capturar la esencia negra de los personajes y mantener una tensión inquebrantable durante todo el metraje. 

Atrapados en la oscuridad está basada en un relato de Owen Marshall y tiene la particularidad de que nunca sabes muy bien qué es lo que va a pasar en ella. Comienza con una idílica familia de campistas que va de excursión a uno de esos parajes maravillosos de la naturaleza salvaje del país, continúa con unas muertes horribles por parte de dos psicópatas armados para seguir con un secuestro en coche y una huida nocturna hasta un lugar donde poder expiar los pecados y culminar un plan de venganza. 

El director configura una especie de pesadilla de una incomodidad extrema en la que se despliegan los traumas a golpe de pistola y en la que no hay ninguna posibilidad de escape. Es aterradora la forma en la que los personajes parecen haber perdido la humanidad y cómo, a lo largo del camino, se va perdiendo definitivamente la esperanza. Una pena que finalmente haya un discurso moral que justifique el comportamiento de los personajes. Sin él, todo hubiera sido todavía más inquietante. - Beatriz Martínez.

Un desgarrador Sbaraglia al borde del precipicio

Hay películas cuyo riesgo no solo se encuentra en su guion, o en la forma de rodarlo, sino también en cómo un intérprete es capaz de dejarse arrastrar y lanzarse de forma kamikaze a bucear en sus turbias aguas. Así, Ámame no sería lo mismo sin la entrega de Leonardo Sbaraglia, sin su valentía a la hora de desterrar tabúes (como los desnudos masculinos) y componer una actuación al borde del precipicio, precisamente en la zona donde se encuentra su personaje, en medio de una vorágine de angustias y frustraciones que lo condenan a una constante fuga hacia delante.  

El director argentino Leonardo Brzezicki es consciente del material inflamable que maneja y opta por introducir al espectador en esa vorágine a través de su cámara para que se convierta en espectador involuntario del proceso de decadencia de un hombre inmerso en una crisis existencial desgarradora. En su turbio itinerario nos adentraremos en un estado de locura mental en el que hay espacio para orgías homosexuales, noches insomnes arrebatadas y una relación tóxica entre un padre posesivo y una hija marcada por el desarraigo emocional (fantástica también la joven Miranda de la Serna).  

Una película que nos sitúa en una cuerda floja constante, incómoda y con un fondo subversivo en la que Sbaraglia compone un personaje memorable, de una fisicidad y gestualidad arrolladora, tan intenso como audaz en este experimento casi de extirpe fassbinderiana. - Beatriz Martínez.

Discutir sobre lo innombrable

En inglés, la palabra mass significa tanto misa como masa, y por tanto resulta doblemente adecuada como título de la ópera prima como director del actor Fran Kranz: por un lado, la película transcurre en su mayoría en una iglesia y maneja conceptos habituales en los servicios religiosos como el sentimiento de culpa, la penitencia, el perdón y la redención; por otro, su premisa argumental es un tiroteo en una escuela o, en otras palabras, un asesinato en masa. En concreto, Mass es una larga conversación, prácticamente en tiempo real, entre dos parejas de padres que tratan de asimilar lo que pasó, años después de que pasara. A un lado están los progenitores del chaval que ejecutó la masacre; al otro, los de uno de los chicos que murió en ella. Todos ellos son personas destrozadas, acechadas por emociones contradictorias como la rabia y la compasión o el amor y el odio, y por preguntas que siguen sin responderse porque quizá no tienen respuesta.

Cómo se convierte un adolescente en asesino, por ejemplo, es una cuestión que sobrevuela permanentemente el relato. Sin embargo, y pese a que un abanico de posibles causas es desplegado a lo largo del metraje -una educación deficiente, amistades tóxicas, abuso escolar, videojuegos violentos, acceso descontrolado a armas de fuego, enfermedad mental-, la película demuestra tener poco interés tanto en abordar cuestiones políticas y culturales como en hacer repartos específicos de culpa. En cambio se centra en investigar, sin caer en el sermoneo, si la aceptación y la curación del trauma resultan posibles en una situación como esa, incluso dando por hecho que algunos daños psicológicos son del todo irreparables.

Durante algo más de su primera mitad, Mass da muestras de una contención apabullante. Kranz mueve la cámara con agilidad pero con sigilo alrededor de los personajes, y entretanto maximiza tanto el poder incisivo de los diálogos como la expresividad de la coreografía de miradas y gestos con el fin de cargar el ambiente de niveles cada vez mayores de tensión. Gradualmente, eso sí, el melodrama se va apoderando de las interacciones entre los cuatro protagonistas, a medida que estos se acercan a una catarsis que resulta forzada. Si eso no logra mitigar el impacto emocional de la película es principalmente gracias el excelente trabajo de sus actores, que nos empujan a ir adoptando alternadamente el punto de vista de cada uno de los personajes y ahondando en las insondables complejidades del duelo, y nos convencen de que en una situación como esa todos, incluso los padres del asesino -incluso el asesino- son víctimas. - Nando Salvà.

Cuando la respuesta estuvo ahí afuera

Entretanto, Apolo 10 1/2 funciona como encantador ejercicio de nostalgia y a la vez como meditación sobre los mecanismos de la memoria, al sugerir que nuestra mente distorsiona nuestro pasado hasta hacer que parezca un sueño. Para ello, la película atiborra sus escenas de significantes temporales y culturales, como discos de 45 rpm, tardes pasadas entre máquinas recreativas y juegos de mesa, y veladas frente películas familiares en formato Super-8. Linklater no idealiza los años 60 ni rehúye los aspectos menos amables de una época en la que la infancia estaba expuesta a numerosos peligros -los castigos físicos por parte de padres y educadores, por ejemplo, estaban bien vistos-, pero sí deja claro que para él, como para cualquier otro niño que por entonces tuviera 9 años, la guerra de Vietnam y las protestas por los derechos civiles no eran más que ruido de fondo que manaba de la televisión.

A diferencia de las incursiones previas de director en el ámbito del cine animado, Waking Life (2001) y A Scanner Darkly (2006), aquí la rotoscopia desempeña un papel relativamente menor; Apollo 10 1/2 maneja varias otras técnicas de animación, como el dibujo de formato tradicional, las imégenes generadas por ordenador y la captura de movimiento. A nivel visual, presenta menor vocación experimental que esas dos predecesoras; prefiere avasallarnos con un sinfín de juguetonas citas a viejas películas -Sonrisas y lágrimas (1965), 2001: una odisea del espacio (1968)- y series de televisión -En los límites de la realidad, Bonanza- y una banda sonora que encadena clásicos de The Monkeys, Vanilla Fudge, Joni Mitchell y Pink Floyd; es en buena medida gracias a todas esas referencias que llega a resultar tan seductora como recreación de una época en la que la llegada inminente a la Luna era la promesa de infinitas posibilidades para la exploración espacial y los avances tecnológicos, y en la que la idea del futuro despertaba ilusión y optimismo y no, como ahora, visiones apocalípticas. - Nando Salvà.