Críticas de cine: 'El amor de Andrea', 'Napoleón', 'Scrapper', 'Wish: el poder de los deseos'...

Hay películas que funcionan, entre otras cosas, porque descubren al mundo un rostro nuevo que se adapta como anillo al dedo al personaje interpretado. ‘Los 400 golpes’ no sería lo mismo sin el niño Jean-Pierre Léaud. Tampoco ‘El espíritu de la colmena’ sin la mirada ilusionada de la niña Ana Torrent, o ‘Una mujer es una mujer’ sin la luminosa presencia de Anna Karina. Lo mismo ocurre con ‘El amor de Andrea’: sin su adolescente y debutante protagonista, Lupe Mateo Barredo, la película de Manuel Martín Cuenca resultaría distinta. Es un rostro joven, inexperto, que expresa tantas cosas con una mezcla de inocencia y un atisbo de madurez. Llena la pantalla y, con ello, las deficiencias se minimizan y los aciertos quedan realzados. Y le permite a su director (‘Caníbal’, ‘El autor’, ‘La hija’) variar de registro de forma considerable.

‘El amor de Andrea’ es una película de aprendizaje: una adolescente debe cuidar de sus hermanos pequeños, lidiar con su madre y buscar a su padre. Quiere conocerle, y quiere que se responsabilice. Andrea, Lupe, no entiende porque su padre los abandono y pasó literalmente de ella y sus hermanos. Y su odisea particular, digna de la de Homero aunque sea a escala pequeña y en las calles de Cádiz, es una carrera de obstáculos, pues tampoco entiende a su madre y descubre el egoísmo de los demás enfrentado a su deseo de verdad y, simplemente, algo de ternura.

La historia de un padre irresponsable y una hija precoz que reconectan ha sido contada en docenas de películas, y Scrapper de ningún modo reinventa esa fórmula argumental. Pero sí se distingue por aplicar una estética jovial, una gama de colores pastel y varias dosis de humor flemático a un género, el realismo social británico, mayormente representado por el dramatismo gris y deprimente del cine de Ken Loach.

Una niña de 12 años vive sola en la zona más humilde de Londres, esquivando a los servicios sociales y combatiendo el dolor por la muerte de su madre con resolución e inventiva propias de una criatura dickensiana. De repente aparece el padre al que nunca conoció, y que resulta ser tan niño como ella. Y mientras descubren que tienen mucho más en común que los genes, la debutante Charlotte Regan no se molesta en insuflar sorpresa alguna a la evolución de su relación ni en ahondar en asuntos como la paternidad o el duelo.

Algunos de los métodos cómicos que maneja -arañas que conversan con subtítulos, personajes que se dirigen a cámara como lo harían en una película de Wes Anderson- resultan tan calculados y artificiales como varias de sus florituras visuales, y las verdades más feas y duras que la película sugiere no concuerdan con la ternura que tanto se esfuerza en transmitir. Pero resulta valiosa como demostración de que el cine centrado en la gente pobre es capaz de conmover sin necesidad de hacernos polvo. - Nando Salvà

Ridley Scott (Gladiator, Prometheus) nos brinda con Napoleón la posibilidad de ver una película, un espectáculo, que está fuera del tiempo, que no pertenece a esta época. Enredarse en una producción de esta naturaleza, de estas ambiciones (desmedidas) y de semejantes dimensiones es un acto de admirable tozudez por parte de su director y, a día de hoy, una experiencia exótica para el espectador. La película de Scott en torno a la figura de Napoleón es interesante ya sólo por eso, por insólita y obstinada. Pero no es ese su único atractivo.

Es condición indispensable entenderla como una aproximación libre al personaje, sin exigirle la precisión y el rigor histórico que Scott ha decidido manejar a su antojo. Es la mejor manera de disfrutar de su retrato sórdido y alucinado de Napoleón, interpretado por Joaquin Phoenix, que brilla especialmente cuando explora la dimensión más grotescamente infantil y egoísta del personaje.

También de enfrentarse al relato, tremendo y con aristas muy estimulantes, de la relación entre el protagonista y Josefina (Vanessa Kirby, imponente): toxicidad, dependencia, una forma muy extraña de entender el compromiso y la devoción. Pero, cuestiones de enfoque a un lado, Napoleón tiene su baza principal en las espectaculares escenas de batalla. En tiempos de malos refritos digitales, es un placer contemplar secuencias tan bien concebidas, tan bien coreografiadas, tan fastuosas y contundentes. - Desirée de Fez

Los estudios Disney celebran su centenario con una película en la que uno de sus personajes, el abuelo de la joven protagonista, tiene exactamente 100 años. Pero no es la única autorreferencia, ya que tanto en algunos personajes como en varios trazos y estilos de animación, la película se homenajea a sí misma homenajeando la estética que tan bien le ha funcionado a la productora creada por Walt Disney concretamente el 16 de octubre de 1923. Por lo demás, Wish: el poder de los deseos es desde su mismo título una alegoría a ese poder de los sueños que ha alimentado el imaginario Disney desde los tiempos de Mickey Mouse. La acción acontece en una isla Mediterránea cuyo centro es la ciudad de las Rosas, aunque no tiene nada que ver con la Roses del Empordà, ya que la estética de sus edificios remite a la Alhambra de Granada y el Real Alcázar sevillano.

El antagonista se llama Magnífico y parece un villano de cine de aventuras de los años 50, aunque es un mago megalómano que se convierte en dictador. Una estrella o bola de energía de lo más naif, de estética simple y efectiva, alumbra el camino de la revuelta liderada por la adolescente Asha, personaje femenino clásico según el modelo Disney. Sin sorpresas, con muchos números cantados y algunas bellas ideas visuales como las burbujas en las que se encuentran encerrados los deseos de todos los habitantes que nunca serán concedidos. - Quim Casas