Las críticas de cine de la semana: 'La piedad', 'El suplente', 'La guarida' y 'Emily' y 'Holy Spider'

Eduardo Casanova demostró con su debut, Pieles, que nos encontrábamos ante una rara avis dentro del cine español. Un director capaz de atreverse a hacer cosas diferentes, como configurar un universo personal intransferible entre lo grotesco y lo naíf, sin miedo a trasgredir, a incomodar, a experimentar. 

La cosa podría haber quedado ahí, en una ópera prima kamikaze, pero su segundo largometraje nos confirma que no, que hay todavía mucho que escarbar dentro de la cabeza profundamente imaginativa y subversiva de Eduardo Casanova. 

La piedad se centra en una única historia (al contrario de lo que ocurría en Pieles, de carácter más coral y fraccionario): la relación entre una madre y un hijo y la toxicidad que se genera entre ellos hasta el punto de convertirse en una patología. Ella (una totémica e impresionante Ángela Molina) se llama Libertad, y es precisamente lo que le niega a su hijo Mateo (el excelente joven Manel Llunell, que se metamorfosea en casi un trasunto del propio cineasta) hasta el punto de convertir su vida en una cárcel, en un espacio asfixiante y siniestro en el que palpita la enfermedad y la locura. 

Casanova traza en ese momento una doble pirueta mortal, de osadía cercana a la del cine del primer Julio Medem: la de comparar la dictadura matriarcal con el totalitarismo norcoreano para hablar de la represión y el sentimiento subyugado y, casi milagrosamente, la metáfora funciona, porque así es el cine del director, profundamente libre y osado, y solo a través de esas dos virtudes se logran las verdaderas epifanías cinematográficas.

La piedad es un cuento macabro, una fábula metafórica, pero también una oda la fantasía plástica en el que las imágenes, los colores y las texturas, la composición artística, unidas a una portentosa banda sonora, funcionan a modo de sinfonía que arrastra, descoloca, fascina y perturba al mismo tiempo. - Beatriz Martínez

Sobre el papel, el sexto largometraje de Diego Lerman es otra variación de la historia de un maestro comprometido que recala en un colegio del lumpen y un aula llena de adolescentes de vida perra, y que les cambia la vida de la noche a la mañana. En la práctica, eso sí, no cae en más cliché que el que esa premisa representa en sí misma, ni en la artificiosidad, la condescendiencia y el simplismo que aquejan títulos como Lecciones inovidables (1988) y Mentes peligrosas (1995).

Mientras observa a su protagonista, un hombre hermético y algo perdido que logra hallar un nuevo sentido a su existencia en cuanto sale de su área de confort para abrirse a un entorno social y político que no es el suyo, Lerman señala las tensiones sociales a las que se enfrentan muchos estudiantes y docentes en barrios desfavorecidos, defiende la importancia de no dar por imposibles a los estudiantes conflictivos y, con mucha menor convicción, medita sobre el propósito de la literatura.

Entretanto, El suplente quizá se complica la vida en exceso a nivel argumental, y sus incursiones en el territorio del thriller mafioso resultan algo postizas, pero todo eso queda compensado con la atención al detalle que su retrato de la marginalidad bonaerense exhibe, y con la contención dramática y la verosimilitud general de las que hace gala mientras combina ingredientes propios del cine social, elementos de intriga y apuntes filosóficos alrededor de un penetrante estudio psicológico. - Nando Salvà

Hasta su muerte a los 30 años, y antes de escribir una de las novelas más importantes de la literatura anglosajona, Emily Brontë se pasó la existencia atrapada en un entorno asfixiante, y desalentada tanto por el patriarcado como por su propia hermana Charlotte, también escritora inmortal. Así queda claro en este biopic que, en todo caso, no pretende ser una recreación fiel de la biografía de su protagonista, sino que mantiene con ella una relación laxa con el fin de ofrecer una versión de la joven que exuda la misma pasión y emotividad a flor de piel que ella insufló a Cumbres borrascosas.

En su debut tras la cámara, la también actriz Frances O’Connor imagina para Brontë varios actos de rebeldía y un romance tórrido al tiempo que reflexiona sobre la compleja naturaleza de las relaciones fraternales, basadas en el amor pero contaminadas por los celos y la rivalidad. Obteniendo la máxima expresividad tanto de los páramos y las colinas como de unos interiores envueltos de una atmósfera melancólica y sepulcral, traza el retrato de una mujer que no solo sobrevive en ese mundo diminuto que ama profundamente y por el que a la vez se siente perturbada, sino que lo usa para nutrir su imaginación; y para darle vida se sitúa estratégicamente en un punto medio entre el clasicismo del asunto narrativo y la modernidad de la propuesta estética desde el que deja claro hasta qué punto Brontë fue una mujer adelantada a su tiempo.

Aunque su anterior película, Border (2018), fue una muy grata sorpresa, un relato criminal y romántico protagonizado por trolls, el cineasta danés de origen iraní Ali Abbasi no ha intentado repetir la fórmula que tan buen resultado le dio. En Holy Spider (Araña sagrada) cambia totalmente de registro, sin dejar de lado cierta peripecia criminal, para mostrar, desde la perspectiva de una joven periodista de Teherán, la caza y captura de un asesino que se ceba en prostitutas de los barrios bajos de Mashhad, ciudad iraní de peregrinación.

Pero más allá de la intriga estricta, carente de sorpresa en términos clásicos, pues a los 20 minutos conocemos la identidad del criminal, Holy Spider es un análisis contundente de la violencia fanática y moral de la sociedad iraní, ya que el asesino en serie, imbuido de una razón divina, no deja de hacer el trabajo sucio para la policía y las mentes bien pensantes, eliminado lo que estas consideran escoria social, y su detención se convierte en un sacrilegio para unas determinadas capas de la sociedad.

La meticulosidad al filmar el primer asesinato y al retratar la vida cotidiana del asesino se revela en la parte final de la película una poderosa diatriba sobre una determinada moral social –sea en el país que sea– y la demagogia en la que se sustenta. La última secuencia es espeluznante, no por violenta o desagradable, ni mucho menos, sino porque explica cómo se gesta una conciencia criminal legalizada por el propio sistema: el huevo de la serpiente, el título que escogió Ingmar Bergman para su filme sobre el germen del nazismo. - Quim Casas