Las críticas de cine de la semana: 'Lightyear', 'La brigada de la cocina', 'Piedra noche', 'Tenéis que venir a verla'...

UN JUGUETE FUERA DE CONTEXTO

Pixar nos acostumbró mal. Hubo un tiempo en que todas sus películas eran o muy buenas u obras maestras. La revolución en el cine de animación. Pero ese tiempo pasó y, desde hace años, quizá desde WALL·E y Up, dos obras magníficas realizadas al concluir la primera década de este siglo, el interés de la productora ha decaído. No vertiginosamente, pero ha decaído. En estos más de 10 años han aparecido títulos interesantes y logrados, como la tercera y cuarta parte de Toy Story y Del revés, junto a filmes más acomodados, como Cars 3 y Soul. Lightyear está en esa línea. Prometía más de lo que ofrece, pero quizá es que esperamos de ella tanto o más de lo que ofreció el personaje del guardián galáctico en la franquicia de Toy Story. Y sin el universo de juguetes que le rodeaba, sin formar pareja con el cowboy Woody, Buzz Lightyear pierde fuerza. No es héroe para aguantar él solo todo un filme, ya que los personajes que le rodean en este caso son simples comparsas.

Lightyear es una aventura de ciencia ficción. Buzz es el piloto que podría rivalizar con Maverick Top Gun en su obsesión por rebasar la hipervelocidad. La película no es otra cosa que el supuesto filme cuyo éxito generó el juguete que le regalaron a Andy en Toy Story. Aquí está en su hábitat, con una mezcla de ingredientes y referencias que van de Star Trek a 2001: una odisea del espacio. Su interés estaba en verle enfrentándose a las adversidades de un mundo poblado por humanos. Su lucha contra robots y lianas asesinas resulta más indiferente pese a buenos momentos de ingeniería visual. - Quim Casas

OTRO RETRATO GENERACIONAL

María Ripoll conoce a la perfección las reglas de la comedia dramática generacional, un género que lleva practicando desde su ópera prima Lluvia en los zapatos. Da igual que los tiempos hayan cambiado, que de la Generación X se haya pasado a la Y o a la Z. Puede que cada una haya tenido sus particularidades, pero en todas late el sentimiento de desconcierto y desorientación en un determinado momento. 

Nosotros no nos mataremos con pistolas comienza como si fuera un wéstern a modo de guiño referencial, pero rápidamente toma la estructura prototípica de la reunión de amigos en la que salen a relucir las miserias de una serie de personajes que se engañan a sí mismos y a los demás. La directora adapta la obra de teatral de Víctor Sánchez Rodríguez para hablar de la precariedad laboral, de los sueños perdidos, de la frustración emocional, del vacío existencial y también de la muerte y la pérdida. Sin embargo, todo resulta demasiado superficial, no se llega a ahondar en ninguna reflexión más allá del subrayado verbal que domina las conversaciones entre los personajes. 

Los clichés sobre los que se sustenta el texto son difíciles de superar, aunque al menos están defendidos por un estupendo grupo de intérpretes que dotan de una frescura inusual a esos diálogos. Se agradece también la voluntad de Ripoll a la hora de configurar una atmósfera visual diferente, entre gallinas, paellas y carreteras secundarias. - Beatriz Martínez

UN MEME EN PANTALLA GRANDE

En la segunda película de Tom Gormican, Nicolas Cage interpreta a Nicolas Cage o, mejor dicho, a una caricatura de la combinación entre intérprete inagotable, estrella de Hollywood e icono viral que responde a ese nombre; el tipo de papel, pues, hacia el que el actor parece haber estado dirigiendo su carrera al menos desde que empezó a capitalizar la obsesión que su salvaje método provoca tanto en seguidores como en detractores. En otras palabras, El insoportable peso de un talento descomunal vendría a ser un meme hecho largometraje.

La película coquetea con el comentario metatextual sobre la distancia que separa las aspiraciones de Cage de las expectativas del público, dando así muestras de aspirar a ser algo parecido a El ladrón de orquídeas (2002). Sin embargo, carece de la sofisticación y la sustancia necesarias para lograrlo. En la práctica funciona más bien como una comedia de acción, resultona pero visualmente anodina, que basa casi todo su sentido del humor en la alusión jocosa a películas previas del actor; un afable muestrario de sus logros en el que, eso sí, se echan en falta mucha más inventiva, más experimentación y más profundidad.

Gormican parece esperar que el espectador se admire de la deportividad con la que su protagonista acepta las críticas a pesar de que, en realidad, todo en ella es peloteo; el retrato que emerge de su metraje es el de un gran artista entregado a su profesión, sus fans y su familia. Estar de acuerdo con que Cage merece un homenaje no es incompatible con lamentar que este homenaje en concreto, en lugar de explorar y explotar las habilidades de su héroe, se limite a dorarle la píldora a lo bruto. - Nando Salvà

LA INTEGRACIÓN, A TRAVÉS DE LA COMIDA

Al director Louis-Julien Petit siempre le ha interesado poner de manifiesto problemas sociales en sus películas, ya estén inscritas en el drama o en la comedia. Su anterior título, Las invisibles transcurría en un centro de acogida de mujeres sin recursos y ahora, La brigada de la cocina, tiene lugar en un centro de acogida de niños inmigrantes. A él accederemos a través de Cathy (Audrey Lami), una estricta chef que comenzará a trabajar en la cocina de la humilde institución y que se negará a preparar todos los días raviolis en lata. Su misión, hacer los mejores platos, aunque sea en las peores condiciones. Y, aunque tenga mal carácter, poco a poco accederá a que los internos se conviertan en sus ayudantes. 

La brigada de la cocina aborda la integración social a través de la comida. Podría haber sido a través del canto en un coro, de un deporte, de una obra teatral o de cualquier otra materia motivacional (se han hecho ya películas con casi todos esos planteamientos). El esquema hubiera sido parecido, siempre lo es, pero en manos del director se aprecia entusiasmo y respeto tanto por la materia como por los personajes que retrata. No solo eso, sino que, como apunta el final del filme, cuando la protagonista se inscribe en un reality para visibilizar la situación de exclusión de sus pequeños ayudantes, el cine también continúa siendo un arma de protesta y reivindicación. - Beatriz Martínez

FANTASÍA SOBRE LA NOCHE PÉRDIDA

Explicada de forma racional, Piedra noche es una película sobre el dolor por la pérdida de alguien querido. Pero el drama sobre ese dolor y cómo superarlo, o al menos atenuarlo, se enmarca en un contexto fantástico. En este tipo de choques entre realismo y fantasía abundan las metáforas, pero el largometraje del director argentino Iván Fund es de trazo muy firme sin dejar de lado cierto misterio. El drama familiar se va nutriendo de esos elementos fantásticos que, a su manera, procuran nuevas pautas de conocimiento para entender lo que ocurrió en un reciente pasado y a lo que se enfrentan los personajes en el presente.

 El único inconveniente que podría ponérsele a esta película inicialmente algo contemplativa, con ciertas reminiscencias del cine de Terrence Malick, es que en un momento determinado decide pasar de la sugerencia al subrayado. Hay muchas dudas que atenazan a los personajes en ese choque entre naturalismo y alucinación, dudas que se transmiten al espectador, pero ese es uno de los riesgos que corre el director. El otro es un deliberado exceso musical que, en algunos momentos, puede recordar, en esencia, al binomio Steven Spielberg-John Williams. Las dos actrices principales transmiten a la perfección la incertidumbre de sus personajes y no falta a la cita el actor chileno Alfredo Castro, el intérprete más en forma desde hace años del cine latinoamericano. - Quim Casas

LAS ESPERANZAS AÚN NO DILAPIDADAS

Después de su mayestática Quién lo impide, documento y ficción al mismo tiempo que giraba en torno a un grupo de adolescentes filmados durante años y sus deseos para un futuro que acabó cercenando la pandemia y el confinamiento, y que tuvo distintos montajes hasta alcanzar una versión definitiva de cuatro horas de duración, Jonás Trueba regresa a terrenos más minimalistas en todos los sentidos con Tenéis que venir a verla. El título es una proclama en toda regla –tenéis que venir a verla… ¡a las salas de cine! – y la historia se concentra en un corto espacio de tiempo, prácticamente en un mismo escenario, solo con cuatro personajes protagonistas y 64 minutos de duración.

Es metraje más que suficiente para relatar el reencuentro entre dos parejas y sus discusiones y charlas en torno a las ideas y las ideologías, la vida en la ciudad o fuera de ella, la maternidad, el desencanto, las esperanzas aún no dilapidadas. Dos intérpretes habituales en el cine del director de La reconquista, Itsaso Arana y Francesco Carril, junto a dos debutantes en su obra, Irene Escolar y Vito Sanz, encarnan, representan, los ideales, aún no perdidos, de la generación millennial. En el fondo, sin ser una película abiertamente política, es un filme de resistencia, franco, directo, fluido, algo triste, bien construido alrededor de sus cuatro intérpretes y con una hermosa coda de carácter experimental. - Quim Casas