Las críticas de cine de la semana: 'La peor persona del mundo', 'Jane por Charlotte', 'Malnazidos', 'Red'...

MIEDOS, DUDAS Y EMOCIONES

La peor persona del mundo cuenta con una espléndida interpretación de la actriz Renate Reinsve, recompensada en el último festival de Cannes, pero creo que no deberíamos quedarnos solo en ese portentoso trabajo. El filme del noruego Joachim Trier le da la vuelta a las convenciones de ciertas comedias dramáticas y románticas, explora con firmeza elementos adscritos a un ideario feminista nada tópico –aunque sea la visión de un cineasta masculino–, pone el dedo en la llaga en cuanto al arte como provocación políticamente incorrecta y reflexiona bien sobre el paso de la juventud a la madurez, la sexualidad, el miedo a la maternidad, la convivencia en pareja y todo aquello que se quiso hacer y por una razón u otra ha debido dejarse de lado.

Trier sorprendió hace 10 años con Oslo, 31 de agosto, una interesante relectura de la nihilista El fuego fatuo, de Louis Malle. Sus dos siguientes películas, El amor es más fuerte que las sombras –con reparto internacional: Jesse Eissenberg, Isabelle Huppert, Gabriel Byrne– y Thelma no estuvieron a la misma altura. Ahora se resarce con creces a través de esta exploración de la deriva de una joven en un mundo que no acaba de comprender del todo. El filme se estructura en un prólogo, 12 capítulos de extensión y tono diversos y un epílogo, una partición eminentemente literaria para un relato cinematográfico que no es literario en absoluto. - Quim Casas.

TAN LEJOS, TAN CERCA

La actriz y cantante Charlotte Gainsbourg debuta como directora con una película centrada en apariencia sobre su madre, la también actriz y cantante Jane Birkin. Jane por Charlotte se titula explícitamente el filme. Pero este documento introspectivo es en realidad una exposición familiar.

Charlotte habla de sí misma a través de su madre y las dos, por supuesto, hablan y reflexionan sobre el padre y marido, Serge Gainsbourg, figura presente incluso cuando no se refieren a él. No es para nada un retrato complaciente, un filme en armonía hija-madre. Más bien todo lo contrario. Charlotte saca a relucir las carencias que tuvo en la infancia y Birkin se pregunta en una secuencia cómo pudo desatenderla tanto, y por qué tomó tantos somníferos cuando estaba embarazada de ella.

A veces se reconocen la una en la otra, como cuando Birkin le dice que quería sentir una experiencia muy táctil al tocarla cuando era un bebé, pero ese contacto le daba miedo, y Charlotte le contesta que a ella le ocurrió algo parecido con una de sus hijas. Hay, evidentemente, un juego cómplice. Algunos momentos pueden ser fruto de la improvisación, pero la película está pautada en líneas generales: sabían de lo que querían hablar y así lo exponen durante 90 minutos de metraje. Wim Wenders tituló una de sus películas ¡Tan lejos, tan cerca!, y eso es un poco lo que les ocurre a estas dos espléndidas artistas. - Q.C

ESPAÑA EN ARMAS Y CON ZOMBIS

Guillermo del Toro ya mezcló con éxito relato de fantasmas y Guerra Civil española en El espinazo del diablo, e historia fantástica y posguerra en El laberinto del fauno. Javier Ruiz Caldera y el montador Alberto del Toro, que debuta en la dirección, repiten mixtura en Malnazidos, manteniendo idéntico contexto bélico y poblándolo de muertos vivientes fruto de un experimento en el que el ejército franquista se alía con los nazis para conseguir al combatiente perfecto: el zombi.

Ruiz Caldera y De Toro optan, en todo caso, por un tono algo más distendido y aportan un entramado de relaciones afín a una cierta idea de la reconciliación. De este modo, un capitán del ejército golpista que no es precisamente un fascista empedernido, un falangista que sí lo es, un soldado moro, un advenedizo y una monja de armas tomar deben aliarse, dejando posturas e ideologías al margen, con un grupo de combatientes republicanos entre los que no falta una joven aguerrida, un soldado que se enorgullece de su ascendencia soviética, un miembro del partido con gafas a lo Trotsky y convencimiento estalinista y un antiguo piloto de coches que triunfaba en las carreras en La Rabassada.

Los directores combinan bien los asedios nocturnos, el imaginario zombi y las confabulaciones fascistas. No se toman en serio a ningún personaje, caricaturas arquetípicas, pero se toman muy en serio las reglas del género. - Q.C

PIXAR SE ACERCA A LOS ADOLESCENTES

La directora china-canadiense Domee Shi ya nos enamoró con Bao, el cortometraje sobre una madre que adoptaba a un pequeño dumpling que tomaba vida y que resultaba ser un trasunto de su propio hijo con el que había perdido el contacto. Ahora aborda su primer largometraje dentro de Pixar y lo hace imponiendo su personalidad como creadora. Red es una película atípica dentro del sello de animación porque aborda de forma específica un segmento de edad que hasta el momento había estado muy desatendido: la adolescencia. 

Mei Lee es una chica de 13 años fan de las boy bands, con un grupo de amigas que la entienden y con una madre exigente pendiente de ella por alguna razón. En realidad, la causa es una especie de maldición familiar que coincide con la pubertad y que convierte a sus miembros en pandas rojos, la especie animal que los protege. 

Red aborda sin miedo temas que conectan con nuestro presente, desde la multiculturalidad y la inmigración a la necesidad de desenterrar tabús sobre la menstruación. Y lo hace con tanta gracia como espíritu irreverente utilizando la transformación como mecanismo de cambio a la hora de alcanzar la edad adulta. La clave: saber controlar nuestras emociones.

En definitiva, una deliciosa coming-of-age alegórica en la que no hay lugar para los clichés, que sabe reinventarse a cada momento, en la que la protagonista es auténtica, siente deseo sexual, experimenta los cambios de su cuerpo y que habla de las relaciones materno-filiales de forma mucho más efectiva que la mayoría de películas no animadas. - Beatriz Martínez.

LA TRASCENDENCIA DE LO MUNDANO

La 25ª película dirigida por Hong Sang-soo en 25 años reitera el talento del coreano a la hora de crear ficciones dotadas de mucha más profundidad y mucho más detalle de lo que superficialmente aparentan. Y lo hace sirviéndose del mismo método narrativo que casi todo su cine previo. Las tres partes que la componen se relacionan entre sí no tanto a través de una trama como de una procesión de escenas cuya acumulación arroja luz sobre las indecisiones e incertidumbres vitales de los personajes, y entre las que se cuentan encuentros incómodos, diatribas regadas de soju, episodios oníricos y conversaciones a ratos divertidas pero siempre cargadas de melancolía romántica. También como de costumbre, asimismo, Hong se sirve de esos momentos para juguetear con conceptos como la cronología, la duración y la repetición.

Pese a que tanto su escueto metraje -66 minutos- como la comparación con los trabajos más relevantes de su director invitan a considerarla una obra menor, en todo caso incluye reflexiones de relieve sobre brechas intergeneracionales y las diferencias ideológicas que vehiculan, y sobre cómo el paso del tiempo complica y desgasta las relaciones. Y mientras las va elaborando, decimos, confirma a Hong como un maestro de la sutileza y la economía dramáticas, capaz de cargar gestos tan a priori mundanos como el encendido de un cigarrillo de los más trascendentes significados ocultos. - Nando Salvà.

DESAFINANDO UN CLÁSICO

Cyrano, la nueva película de Joe Wright reimagina la célebre obra teatral de Edmond Rostand a la manera de un musical con canciones de miembros de la banda The National y el enanismo de Peter Dinklage ejerciendo de hándicap físico del protagonista en reemplazo de la habitual nariz desmesurada. El intérprete captura con precisión la mezcla de bravuconería e inseguridad que definen a Cyrano, y reitera su habilidad a la hora de retratar personajes que usan el sarcasmo para ocultar su sentimentalismo.

Pese a sus esfuerzos, eso sí, la versión de Roxane que aquí se nos presenta es una mujer tan petulante, egocéntrica y desdeñosa que, inevitablemente, el empeño del héroe en ponerla en un pedestal lo hace parecer un majadero. Y, si bien Dinklage es un actor extraordinario, sus dotes para el canto dejan mucho que desear, en buena medida porque su voz no es suficientemente poderosa como para transmitir el tipo de emotividad exacerbada que define los musicales. A ese problema contribuye el olvidable repertorio de temas compuestos por The National, dotados de una actitud dramática que no es ni compatible ni complementaria con las exigencias del texto de Rostand.

Entretanto, como de costumbre en su cine, Wright se muestra más interesado en usar el metraje para exhibir su gusto por la afectación formal y la suntuosidad visual que en explorar lo que debería ser el corazón de la historia. Como resultado de ello, los personajes que componen el triángulo amoroso central en todo momento dan la sensación de ser completos extraños los unos para los otros, pese a la insistencia con la que el guion y las canciones tratan de convencernos de la intensidad de sus pasiones recíprocas. - N.S.