Las críticas de cine de la semana

'El último duelo': Feminismo de brocha gorda

Pese a las intensas escenas de batalla que intermitentemente decoran su metraje de sangre y barro y nos recuerdan la habilidad del director Ridley Scott a la hora de orquestar espectáculos de violencia llenos de nervio pero no tanto de expresividad o sentido coreográfico, El último duelo no es tanto una película de acción como un culebrón medieval excepcionalmente enrevesado y a ratos cercano al tipo de parodia que popularizó Monty Python. Su objetivo es establecer paralelismos entre el sexismo de hace siete siglos y el que combaten movimientos como #MeToo, pero los nada sutiles esfuerzos que lleva a cabo con ese fin solo sirven para constatar lo obvio: que la crueldad sufrida sistemáticamente por las mujeres no es algo nuevo.

Además de frases de diálogo puestas en boca de hombres malvados como “una violación no puede causar un embarazo, lo dice la ciencia”, el principal método que la película usa para dejar claro el maltrato sufrido por su protagonista femenina es esa estructura narrativa que se inspira en Rashomon y que no solo resulta redundante sino incluso contraproducente. A diferencia de lo que sucedía en la obra maestra de Kurosawa, aquí la multiplicidad de perspectivas acerca del crimen sobre el que gira toda la trama no hacen que dudemos siquiera un instante sobre lo que sucedió realmente, y en ese sentido no ayuda el desinterés de Scott en establecer verdaderas distinciones entre ellas a nivel de puesta en escena. Al final, ofrecer sucesivas variaciones del mismo relato no solo no sirve para dotar ‘El último duelo’ de más hondura psicológica o más elocuencia acerca de la masculinidad más venenosa, sino que además acaba marginalizando la voz de la víctima igual que en su día lo hicieron quienes abusaron de ella. Quim Casas

'Petite maman': la armonía absoluta

Petite maman es una de esas extrañas películas de apariencia sencilla, desnuda de todo artificio, de reducido metraje -apenas 70 minutos-, que al mismo tiempo resultan hermosamente indescifrables. Su directora, Céline Sciamma, ya ha dado probadas muestras de su talento con varios filmes en los que ha explorado la identidad de género, el afecto y la independencia: Tomboy, Bande de filles y Retrato de una mujer en llamas. En apariencia, cambio de tercio temático y de tonalidad en Petite maman, un drama que se inclina hacia el relato fantástico con una naturalidad pasmosa. Un fantástico sugerido, como reafirma la bella cita a La mujer pantera, o el fantástico a través de las sombras. Últimamente se dice de muchas películas que son un milagro. Quizá con la crisis, la pandemia, las reducciones de aforos y el miedo de la gente a volver al cine sí que necesitemos milagros. Esta película lo es.

Porque es tan tensa como luminosa. No le sobra ni un plano. No le falta ni una escena. Tiene como protagonistas a dos niñas gemelas en estado de gracia. No es solo que estén bien, sean fotogénicas y se ajusten a los personajes. Imagino a Sciamma dirigiéndolas con todo el sentido común posible para extraer de ellas tal cantidad de gestos memorables. El relato arranca con una muerte en la familia y se prolonga, durante un tiempo de duelo y ausencia, a través de un reencuentro imaginario con la madre, pero cuando era niña. Siendo imposible, el filme fluye con tanta franqueza, con el tiempo perfectamente medido, sin ningún sobresalto melodramático que resquebraje la armonía absoluta. Quim Casas

'Érase una vez en Euskadi': La niñez en los años de plomo

En los últimos tiempos la ficción se ha encargado de retratar el conflicto vasco desde numerosos puntos de vista, el de las madres o el de los hijos que ingresaron dentro de la organización terrorista, pero Érase una vez en Euskadi aporta una nueva perspectiva situándose al nivel de la mirada de los niños que crecieron en los ochenta y transitaron su infancia a medio camino entre la violencia del ambiente y los juegos propios de su edad. 

El director Dani Gómez, a partir de las vivencias de un grupo de amigos, se adentra en sus propios recuerdos para componer un retrato coral a modo de homenaje a esas familias, como la suya, que emigraron al País Vasco en busca de trabajo y a las que despectivamente se les llamaba maquetos. La película conserva la inocencia de los ojos de esos niños que aprenden sin darse cuenta a convivir con la crudeza del mundo en el que viven durante esos años de plomo que se caracterizaron por los constantes atentados, las manifestaciones abertzales y la epidemia del sida. 

Es amable, narrada en forma de fábula, pero que en el fondo cuenta cosas terribles. Y, aunque a menudo las situaciones resulten demasiado forzadas, en ese difícil equilibrio entre la ligereza y el dolor, hallamos su principal virtud. También en su capacidad nostálgica de acercarnos a una época que se describe con sus luces y sus sombras, de manera cercana y costumbrista, desde la intimidad de las cocinas de cada casa. Esa sencillez resulta fundamental a la hora de aproximarnos a una película que no tiene la ambición de ser un retrato generacional o social, sino que prefiere abrazar la emoción a través de las cosas pequeñas. Beatriz Martínez