Las críticas de cine de la semana: 'Flee', 'Azor', 'Muerte en el Nilo', 'La pasajera', 'Primavera en Beechwood' y 'La hija oscura'

LA ANIMACIÓN COMO DOCUMENTO

Los documentales de animación no se prodigan especialmente. Sobre el papel, es una mixtura algo antinatural, ya que se supone que el documental es el género de la verdad –no sé si absoluta, pero verdad, al fin y al cabo– y lo que sucede ante la cámara no obedece a reconstrucción alguna. Por el contrario, la animación es la ficción de las ficciones, sin rostros, cuerpos y lugares reales. Flee rompe este esquema hasta diluir las fronteras entre ambos géneros. De hecho, ha sido nominada al Oscar tanto en la categoría de documental como en la de animación, además de película internacional. Es las dos cosas y, al mismo tiempo, una nueva.

Hay una razón de peso para que este documental sobre un refugiado afgano que empieza una nueva vida en Dinamarca esté realizado en dibujos animados: mantener el anonimato de su protagonista, llamado aquí Amin. La animación enmascara el rostro, pero no la experiencia. A través de la reconstrucción mediante el trazo animado –con distintos niveles de animación en función de los cambios que se operan en la baqueteada vida del protagonista–, el director Jonas Poher Rasmussen visualiza todo aquello que le explica su entrevistado, sin miedo a nada y diciéndolo todo: la represión en Afganistán, la dura odisea de los refugiados escondidos en barcos o furgonetas, los tristes días vividos en un pobre apartamento de Moscú sin papeles ni dinero… La animación suaviza un poco, es indudable, pero tanto el relato –y el excelente uso de la voz– como las bien escogidas imágenes de archivo que se intercalan, no disuelven nada de la miseria y el horror relatados. - Quim Casas

VIAJE A LAS TINEBLAS

El viaje que realiza el protagonista de Azor, y la forma que tiene su director, Andreas Fontana, de filmarlo, emparentaría la película con la inspiradora El corazón de las tinieblas y todo el cine que ha generado la gran novela de Joseph Conrad, empezando por el viaje a la selva vietnamita en busca de otro Kurtz en Apocalypse Now. El país en Azor es Argentina. La época es la de la dictadura. El protagonista, tan en el fondo maleable como el personaje que remonta el río en la obra de Conrad y en el filme de Coppola, es un banquero privado suizo que llega a Argentina para substituir a un socio desaparecido en circunstancias tan misteriosas como abstractas.

El filme, en el fondo, es también muy abstracto: posee una atmósfera perturbadora, oscura y misteriosa que atrapa poco a poco. No es por supuesto una intriga al uso ni tampoco una película política sobre los estragos de la dictadura. Le cuesta algo arrancar, ya que parece tomarse más tiempo del necesario, pero hay un momento en el que todas las piezas empiezan a encajar, incluida la música un tanto a la contra de las imágenes. El relato nos desvela una era corrupta, y no solo por la dictadura argentina: la banca suiza no sale mejor parada. Un mundo habitado por personajes miserables y otros que, sin verlos, ejercen una enorme influencia. Keys se llama el socio desaparecido. Keys, Kurtz… un viaje a las tinieblas. - Quim Casas

LAS REGLAS DE HÉRCULES POIROT

Aunque al final de Asesinato en el Oriente Express, la anterior película de Kenneth Branagh con el director irlandés interpretando también el papel de Hércules Poirot, ya se anunciaba que el famoso detective urdido por Agatha Christie volvería con un nuevo filme, Muerte en el Nilo, el gran éxito comercial de la primera ha hecho viable la realización de la segunda. Branagh y su equipo, idéntico al del anterior filme, realizan unos pocos cambios respecto a la novela, sobre todo aquellos que afectan a la experiencia bélica de Poirot en la Primera Guerra Mundial, la razón por la que se dejó su curioso bigote y algunos rasgos pedantes y megalómanos del personaje, pero el resto respeta al pie de la letra la métrica, los giros, las confusiones, las falsas pistas y la resolución del original de Christie.

Muerte en el Nilo guarda escasa relación con Belfast, la otra película de Branagh estrenada hace tres semanas. Aquella es más personal, autobiográfica. Esta es un juego especulativo con las raíces del suspense y la intriga clásicos, una especie de divertimento frente a la cámara –el actor parece pasárselo en grande dando vida a Poirot– resuelto detrás de ella con pericia y aprovechamiento de espacios y escenarios. Branagh lo fía todo al texto y a la quizá remota posibilidad de que un buen número de espectadores de la película no conozcan o recuerden el desenlace de la historia. - Quim Casas

TERROR A RITMO DE PASODOBLE

Terror a ritmo de música castiza, una tendencia que se puso de manifiesto en el pasado Festival de Sitges a través del corto de David Pérez Sañudo, Au pair, en el que sonaba Manolo Escobar, y de la película La pasajera, en la que los pasodobles se convierten en la banda sonora fundamental a modo de leit motiv identitario. Raúl Cerezo y Fernando González Gómez debutan en el largometraje después de una larga trayectoria en el corto y lo hacen vertiendo su amor por el cine fantástico y la serie B, regando de referencias a esta insólita road-movie sobre invasiones alienígenas.

Así, encontramos la sombra de La cosa de John Carpenter, de La invasión de los ladrones de cuerpos y de David Cronenberg, aunque todo ese refrito de homenajes no impide que la película alcance una personalidad propia, sobre todo a través de ese viaje por unas carreteras solitarias inundadas de bruma que contribuyen a perfilar una atmósfera nocturna potente. 

Los efectos especiales de las criaturas que aparecen y sus transformaciones cumplen su función, así como cierta imaginación visual nada desdeñable, pero pulula por el ambiente una sombra todavía más inquietante que los bichos del espacio y el horror cósmico y es la ambigüedad con la que se trata el machismo a través del personaje protagonista, al que se le tacha de macho ibérico para después convertirlo en el héroe de la función. - Beatriz Martínez

'DELICATESSEN' DE ÉPOCA

Esto no es una versión cutre de Downtown Abbey como podría hacer pensar el cartel de la película. Es precisamente todo lo contrario, una interpretación libre y feminista de todo del cine de posguerra sobre la lucha de clases en la que, por una vez, se cuenta el deseo desde el punto de vista de una mujer rompiendo los convencionalismos de la época. El planteamiento podría parecer tópico: una joven huérfana que sirve en la casa de una pareja de aristócratas (una vibrante Odessa Young) mantiene relaciones sexuales con el hijo de unos amigos de la familia (magnético Josh O’Connor). Sin embargo, la directora Eva Husson eleva este argumento culebronesco a otra dimensión gracias a su enfoque, su estilo visual y su planificación escénica, destinada a poner de manifiesto la pasión a través de los cuerpos y a transmitir una sensación etérea de sensualidad que se cuela por los poros de muchas escenas al límite entre el naturalismo y la poesía.

La directora, además, se adentra en la Inglaterra de los años 20 desde el punto de vista de la devastación del país después de la guerra, sumido en el duelo por la pérdida de toda una generación que se ha quedado por el camino. Dentro de ese marco de profunda tristeza, la protagonista, profunda observadora de su entorno, irá configurando su identidad y forjando su destino estableciendo una bonita relación entre sus recuerdos y la creación literaria. - Beatriz Martínez

MALA MADRE, MALA GENTE

Novela publicada por Elena Ferrante en 2006, La hija oscura se sirve del retrato de una profesora divorciada que pasa las vacaciones en un pueblo costero, y entretanto incurre en pensamientos y actos cuestionables, para reflexionar sobre la carga indescriptible que ser madre conlleva y de la que las mujeres no osan hablar a causa de la presión ejercida por una sociedad que mitifica la maternidad. Y, dados la sutileza y los matices que exhibe al hacerlo, es lamentable el empeño que esta adaptación cinematográfica evidencia por encontrar explicaciones lógicas a las decisiones de la protagonista a lo largo de su vida y usarlas como base de intensos sentimientos de culpa.

Eso no impide a la actriz Olivia Colman pasar buena parte del metraje representando con maestría las contradicciones del personaje y la incomodidad que le causa ser una mujer sola en público, pese a que sus esfuerzos se ven constantemente interrumpidos por una sucesión de flashbacks que no solo ofrecen reduccionistas vínculos causales entre el pasado y el presente sino que convierten el debut como directora de la actriz Maggie Gyllenhaal en pura redundancia. Llegado el momento, eso sí, el personaje deja de ser una intelectual que halla cierto solaz actuando con insensatez para revelarse como una ególatra engreída e incapaz de manejar sus emociones. La única verdad acerca de ella acaba siendo que fue una madre pésima que detestaba la maternidad, como casi todo lo demás. - Nando Salvà