Las críticas de cine de la semana: 'Minions: el origen de Gru', 'Cantando en las azoteas', 'La isla de Bergman', 'Sinjar'...

DINERO DE COLOR AMARILLO

La quinta entrega de la franquicia más exitosa de los estudios Illumination es a la vez secuela de Los minions (2015) y precuela de Gru: Mi villano favorito (2010), y por tanto alterna su tiempo imaginando los años formativos del personaje que dio inicio a la saga y contemplando a las célebres criaturas amarillas con forma de supositorio mientras emiten flatulencias y pedorretas y se golpean mutuamente. Entretanto, además, finge ejercer de nexo de unión narrativo entre las dos citadas películas previas aunque, en realidad, estas no lo necesiten. Su única razón de ser, por supuesto, es otra: Los minions ingresó 1.100 millones de dólares en taquilla.

Seguro que nadie irá a ver El origen de Gru en busca de innovación, y por tanto nadie se sorprenderá ni de que sus momentos de humor sean prácticamente un calco de los de las cuatro entregas anteriores ni de que pueda decirse más o menos lo mismo del estilo de animación, los gags visuales y la mayoría de elementos argumentales. Es cierto, eso sí, que carece de la agradable sensibilidad anárquica que atesoraba la película de 2017 y que a cambio, en virtud de su ambientación en los años 70, no solo ofrece resultones guiños tanto a las películas de Bruce Lee como al cine blaxploitation sino que exhibe una banda sonora con versiones de temas de Santana, Linda Rondstad y Steve Miller Band. Pese a lo que ese dato pueda sugerir, sin embargo, no tiene ningún sentido ni ofrece aliciente alguno más que para aquellos espectadores que solo pueden ir al cine acompañados de mayores. Y tampoco le hará falta para funcionar como la versión cinematográfica de una fábrica de moneda. - Nando Salvà

LA VIEJA ESCUELA DEL RAVAL

Mezcla de documental y representación de una ficción que pudo ser realidad, Cantando en las azoteas surge de la estrecha relación que mantienen el director Enric Ribes y el transformista Gilda Love desde que hicieran en 2017 la micro-pieza de idéntico título, extraído de las últimas estrofas de la Canción del mariquita de Federico García Lorca.

Love puede considerarse el último transformista del Barrio Chino barcelonés, por lo que el filme tiene también mucho de elegiaco, de crónica de una forma de vida irrepetible en un barrio que ha mutado por completo. Pero lo interesante es el personaje en sí mismo, la historia de ficción que Ribes teje a su alrededor con la presencia de una joven y su hija, la familia que nunca pudo tener. 

De este modo, la película converge en direcciones distintas, del melodrama a la crónica de barrio, del filme de archivo -con interesantes imágenes de las actuaciones en la célebre Bodega Bohemia- a la idealización de una existencia inalcanzable. Surge, por supuesto, de la capacidad del director para hacer que este drag queen de la vieja escuela del Raval se sienta cómodo y se exprese con naturalidad ante la cámara, siendo él mismo y, al mismo tiempo, el protagonista de una invención mediante la cual la cámara captura una realidad pura, sin ambages. - Quim Casas

CREATIVIDAD Y VIDA EN PAREJA

La penúltima película de Mia Hansen-Love habla del cine y de las relaciones que establecen entre sí los creadores cuando, además, son pareja. Es probable que la directora haya volcado parte de sus experiencias con el cineasta Olivier Assayas, con quien tuvo una larga relación sentimental. Es probable que recuerde como en algunos periodos ella estaba bloqueada totalmente con un guion mientras que a él todo parecía fluirle sin problemas. Hay un momento en La isla de Bergman que reproduce esta situación. No son celos ni envidias, solo la constatación de que él no puede ayudarla a ella más allá de escuchar el porqué de ese bloqueo.

Vicky Krieps y Tim Roth no son Hansen-Love y Assayas, pero podrían serlo. Porque además el filme acontece en Farö, la isla de Ingmar Bergman, y Assayas tiene un libro de entrevistas con el director de El manantial de la doncella mientras que Hansen-Love ha escrito que una de las películas que más le han influido es Fanny y Alexander. Hay en La isla de Bergman un filme dentro de filme, muy bien estructurado, y el cineasta sueco es, sin quererlo, protagonista de excepción: dos críticos de cine -uno de ellos encarnado por Jordi Costa- hablan de él y sus trilogías mientras que un individuo algo cansado de la mitología bergmaniana lo desacraliza con humor. - Quim Casas

Tres mujeres frente a la barbarie de la 'yihad'

Tres mujeres que no tienen nada que ver entre sí, con diferentes circunstancias, pero con un mismo problema, el fundamentalismo islámico. Una joven que escapa del cautiverio e ingresa en las milicias kurdas, una mujer que es obligada a ejercer como esclava para un hombre que tiene derecho a violarla cada noche y una madre (interpretada por Nora Navas) que intenta entender por qué su hijo, desde España, se ha ido a luchar en la yihad. La directora catalana Anna Bofarull habla en Sinjarsobre la situación de absoluta desprotección de las mujeres en un mundo de hombres en el que se encuentran silenciadas y humilladas, en el que la impotencia se mezcla con la rabia y la necesidad de rebelarse contra las imposiciones en una espiral de odio y violencia que las subyuga. 

Es Sinjar una película ambiciosa por lo que cuenta, pero también muy sensitiva por su manera de narrarlo, por su forma de aproximarse a las tres protagonistas, muy de cerca, sumergiéndonos de lleno en sus particulares infiernos cotidianos. Lo hace de manera muy respetuosa, desde una perspectiva de lucha y de supervivencia, obviando los sentimentalismos y apostando por iluminar la humanidad dentro de una barbarie tan incomprensible como real y cercana. - Beatriz Martínez

Los tentáculos del abuso

La magnífica segunda película del turco Ferit Karahan es un drama social complejo orquestado a la manera de un thriller psicológico, y que utiliza la repentina enfermedad de un niño de 11 años que vive un internado para kurdos en Anatolia Oriental a modo de dispositivo revelador de las miserias de una institución autoritaria fundamentada en la cultura del miedo. Mientras va desentrañando el misterio que rodea el trastorno del chaval y en paralelo detalla las atribuciones de culpa que van adjudicándose entre los docentes y administradores del centro, el relato exhibe una admirable austeridad a nivel visual y narrativo. Sin usar un plano de más ni desperdiciar una sola escena, Karahan va aportándonos una sucesión de detalles y pequeños momentos que nos acercan a la verdad. 

Puede que su retrato de los personajes adultos coquetee con el estereotipo, y que su manejo ocasional del humor no llegue a encontrar su sitio en la narración, pero nada eso logra disipar la espesa atmósfera de gélida tensión en la que la envuelve a través de decisiones cromáticas y trabajo de cámara, ni resta hondura a sus reflexiones sobre los férreos lazos que fundamentan la amistad infantil, el abuso de poder y la facilidad con la que se aprende a ejercerlo tomando ejemplo, y la opresión sistémica sufrida por las minorías en Turquía. - Nando Salvà