Qué hacer en Madrid esta semana: Juan Muñoz en el Prado, arte y cine en el Festival Rizoma, un viaje al Polo sur para toda la familia...

Collapse of the Weave Function es el título de la nueva propuesta de Metahaven, que podrá verse en Matadero Madrid hasta final de mes como parte del programa LAB 4 Futuros Raros. Formada por Daniel van der Velden y Vinca Kruk, esta dupla de artistas lleva más de dos décadas moviéndose entre el cine, el diseño y la escritura, con creaciones que se sitúan entre la poesía visual y la crítica política desde las que abordan temas como el poder, el avance de la tecnología o la atención como materia estética. En esta muestra, cuatro piezas creadas ex profeso dialogan con la idea de colapso: Hometown, una película rodada en Kiev y Beirut que construye una ciudad imaginaria a través de dos lugares que nunca se encuentran; las obras textiles Collapse of the Weave Function y After Attention, dos reflexiones sobre la paradoja cuántica y la fragilidad de nuestra mirada; y, por último, Centerless, una instalación compuesta de bolsas de plástico bordadas con motivos que reflejan el movimiento de las bandadas de pájaros, dando lugar a un paisaje sensorial, filosófico y de gran belleza.

Charles Dickens escribió Oliver Twist en 1837, cuando una gris Londres se debatía entre la miseria y el esplendor industrial. Publicada por entregas, su segunda novela fue también una de las primeras en poner nombre y rostro a los niños olvidados de la era victoriana. Casi dos siglos después, su historia vuelve a cobrar vida en Oliver Twist, el musical, que se estrena por primera vez en España en el Teatro La Latina, donde permanecerá en cartelera hasta el 31 de enero. Adaptada por Pedro Víllora -dramaturgo y escritor responsable del éxito de Los chicos del coro-, esta nueva versión reúne a un elenco de treinta intérpretes, entre adultos y niños, para recrear un Londres dickensiano al que viajar en familia durante algo más de dos horas (recomendada para niños a partir de 6 años). Si en su origen la historia de este niño huérfano supuso una de las más feroces críticas a la desigualdad y al sistema de orfanatos británico desde la literatura, en esta nueva versión esa denuncia se transforma en una invitación sonora y visual a escuchar más y a cuidar mejor de esas personas bajitas que un día heredarán el mundo.

“Aiub. Ioug. Ayub. Ainou. Aiou. Tuve la misma dificultad para pronunciar su nombre árabe, que para entender que nuestro amor no era posible en un mundo imposible”. Con esa confesión en primer plano, la laureada dramaturga argentina Marina Otero desembarca en Réplika Teatro con AYOUB, su nueva pieza que se estrena coincidiendo con la 43ª edición del Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid. La pieza se sitúa en el cruce entre lo íntimo y lo político, tejiendo un relato que parte de un proyecto personal -un viaje a Tánger con el objeto de rescatar, casar y "salvar" a un hombre- y que termina por convertirse en una reflexión sobre colonialismo, genocidio palestino, identidad y todo aquello que nos gustaría aniquilar del interior de nosotros mismos. Tras la función del 14 de noviembre habrá un encuentro con el público en el que participarán la propia Marina Otero junto a la también dramaturga María Velasco, quien ha acompañado a la creadora en la gestación de los textos. Afincada en Madrid, Otero es conocida por construir su obra desde la autoficción expandida, género que ya exploró ampliamente en su proyecto Recordar para vivir, una obra en constante construcción que va mutando con los años… y la experiencia.

Hay músicos que construyen un sonido, y luego está Johnny Jewel, que inventó un género entero. Productor y compositor especialista en crear atmósferas, el hombre detrás de los proyectos Chromatics, Glass Candy y Desire es lo más parecido a un Vangelis para la generación millennial. Y es que pocos como el de Texas han conseguido trasladar con tanta soltura la nostalgia de los sintetizadores clásicos a la vida contemporánea. El 15 de noviembre, el también contribuyente a las bandas sonoras de Drive, Lost River o Twin Peaks: The Return aterriza en la Sala El Sol de Madrid con un repertorio que ahonda en su universo sonoro, y que va de los beats vaporosos que caracteriza la música de su propio sello Italians Do It Better hasta las atmósferas nocturnas de sus scores compuestos para la gran pantalla. Una noche para dejarse llevar entre sintetizadores, luces rojas y una cadencia casi hipnótica, y sentirse por un rato protagonista de una neo-noir con Los Ángeles de fondo.

El Polo Sur se llena de humor, ternura y marionetas con BoBo, el nuevo espectáculo de Periferia Teatro dirigido por Juan Manuel Quiñonero. Pensada para niños y niñas a partir de 3 años -aunque también conquista a los mayores-, la obra invita a viajar entre hielos y pingüinos para hablar de algo tan cercano como la llegada de una nueva personita al núcleo familiar. La historia sigue al pequeño Bobo, un pingüino feliz que pasa sus días comiendo, jugando y disfrutando del cariño de sus padres. Todo cambia cuando le anuncian que pronto tendrá un hermano. A partir de ese momento, Bobo deberá aprender a compartir el amor y la atención familiar, descubriendo que ganar un hermano es en realidad ganar un compañero de aventuras. Con grandes dosis de sentido del humor y con una sensibilidad muy cercana, Periferia Teatro convierte una experiencia cotidiana en un relato universal sobre el crecimiento y la empatía, desplegando la maestría y el talento que la compañía murciana lleva afinando desde hace más de tres décadas.

El Festival Rizoma regresa con una edición que invita a mirar más allá de la pantalla. Bajo el lema TransRealismo, el certamen y escaparate madrileño de propuestas híbridas entre cine, arte y pensamiento celebra el centenario del surrealismo con una entrega que explora cómo lo real se configura en tiempos de inteligencia artificial, asomándose a las nuevas narrativas y a las tecnologías inmersivas. De este modo, Rizoma plantea una conversación sobre la “próxima pantalla de la realidad”, ese espacio donde lo tangible y lo imaginario se mezclan hasta fundirse, a través de un programa que teje nuevos horizontes entre los movimientos artísticos que transformaron nuestra mirada -del realismo al surrealismo y del hiperrealismo al postrealismo- y los lenguajes visuales que cuestionan hoy qué entendemos por verdad. El festival se desarrollará en Cineteca, mk2 Cine Paz, Sala Equis, Cine Doré, Cines Verdi, la Academia de Cine y Fnac Callao, e incluirá, además de su sección oficial, una retrospectiva de Guillermo Galoe, secciones de cortos, cine maldito y surrealismo contemporáneo, talleres, un encuentro con el músico Jay Jay Johanson y la proyección de las nuevas películas de Kristen Stewart y Jim Jarmush.

El Museo del Prado rinde homenaje a una de las voces más singulares del arte contemporáneo con Juan Muñoz. Conversaciones con el tiempo, una exposición comisariada por Vicente Todolí que puede verse desde estos días y hasta el 8 de marzo en las salas C y D de la pinacoteca. Reconocido como uno de los escultores españoles más influyentes de finales del XX, Muñoz convirtió el cubo blanco en una suerte de escenario donde el espectador pasa de observar a ser mirado, en una secuencia en pausa en la que sus realistas esculturas silenciosas, inquietantes y a punto de hablar convierten la experiencia de ir al museo en un acto casi teatral. El recorrido que plantea Todolí pone a Muñoz en diálogo con los grandes maestros que marcaron su mirada -Velázquez, Goya, Bernini o Piranesi-, así como con el propio Prado, primera “escuela” del madrileño, en cuyos pasillos y galerías descubrió la ambigüedad del gesto esculpido y la tensión al contemplar a semejantes, aunque estos hayan cambiado la carne y huesos por bronce, resina y papel maché.

Tras meterse en el bolsillo a la crítica con su documental Reas en su paso por la Berlinale, la directora argentina Lola Arias continúa explorando los bordes que separan la realidad de la ficción con Los días afuera, una pieza teatral que supone un paso adelante en su investigación sobre las vidas al margen y las posibilidades de reinserción y reinvención. Si Reas nacía de los talleres que Arias llevó a cabo en la cárcel de mujeres de Ezeiza, donde las internas transformaron su experiencia en un musical, Los días afuera parte del momento posterior, su puesta en libertad. La pieza sigue así a seis mujeres cis y trans, quienes una vez fuera de prisión intentarán rehacer sus vidas mientras luchan contra una pasado que sigue pesándoles. Música, teatro y cine se confunden sobre las tablas en una obra que tiene tanto de ensayo como de dramaturgia, un territorio que le viene a Arias al dedillo para hablar de la reconstrucción personal como un acto de imaginación política, donde no queda otra que inventarnos un futuro.