Qué hacer en Madrid esta semana: Milo Rau en Conde Duque, el neoclasicismo pop de Los Bravú, Soy una pringada en el Reina Sofía...

Donde el aire es fresco y las flores tiemblan es el título del nuevo proyecto expositivo de Los Bravú, que podrá verse hasta el 1 de noviembre en la galería El Apartamento. Con una marcada trayectoria entre la precisión de la pincelada clásica y elementos que nos traen de vuelta a los tiempos modernos, esta pareja de artistas formada por Dea Gómez y Diego Omil vuelve a tensionar el pasado y el presente y a explorar los vértices donde se dan la mano la alta y la baja cultura, la perfección academicista y la libertad contemporánea. Formada por más de veinte obras, la primera gran muestra individual de la dupla en esta galería de Chueca se despliega a la manera de un paisaje simbólico, un territorio en el que los ecos de la Galicia y la Castilla natales de los artistas se funden con una espiritualidad casi telúrica en escenas que se nutren de los arquetipos del inconsciente colectivo. Santos que se confunden con diosas paganas, flores que tiemblan como presencias, viejas historias que se anuncian nuevas… Un universo donde el mito y lo cotidiano se unen en una invitación a perdernos en un lugar tan familiar como forastero.

Provocador, lúcido y siempre dispuesto a mirar ahí de donde los demás apartan la vista, el creador suizo Milo Rau vuelve a situar el teatro frente al abismo en Medea’s Children; una pieza inspirada en la tragedia de Eurípides, pero también en un suceso real ocurrido en Bélgica en 2007, cuando Geneviève Lhermitte asesinó a sus cinco hijos antes de morir, años después, el mismo día, mediante eutanasia. Tras su significativo paso por la Bienal de Venecia, la obra aterriza esta semana en Madrid con una propuesta tan hipnótica como insoportable, donde el horror y la ternura conviven en un mismo pulso, envueltos en una belleza precisa, magnética y llena de contradicciones. Rau hace del escenario un lugar para la confrontación moral y emocional, un espejo que devuelve una imagen incómoda y a la vez ¿necesaria? Mientras estos hijos inventan un nuevo lenguaje, uno capaz de nombrar lo innombrable, los personajes parecen lanzarnos una pregunta desde las tablas: ¿somos realmente capaces de mirar de frente a esa violencia que nos habita?

Tres performers, un pacto de confianza y mucho pogo. Slamming convierte la energía del caos en una suerte de comunión entre las intérpretes y el público a través del sudor, la respiración y la reverberación de cuerpos que permanecen atrapados en un mismo vaivén. Estrenada en Atenas durante el Festival Onassis Dance Days, la nueva propuesta de la coreógrafa griega Xenia Koghilaki busca los matices sensibles que se esconden en la agresividad multitudinaria, revelando así un ritual colectivo que emerge desde una aparente violencia. En continuidad orgánica con su trabajo anterior, centrado en el headbanging -ese gesto visceral de sacudir la cabeza al ritmo de metal o punk-, Koghilaki profundiza aquí en su exploración del cuerpo colectivo, tanto en su expansión como en sus límites. En escena, el público asiste a una danza nacida del slam dance, un estilo agresivo y de contacto físico que se da en algunos conciertos, donde el cuerpo es agitado, lanzado y empujado, y donde la entrega física es total. Una coreografía donde la violencia, extrañamente, se vuelve también una expresión de afecto.

En Eclipse, el creador hispanoargentino Matías Umpierrez convierte el escenario en un espejo de esos que deforman la realidad y que amplifican lo imperceptible en su versión más estrambótica. La pieza, que regresa a Nave 10 del 28 de octubre al 9 de noviembre, se mueve entre la conferencia, la performance y el concierto de ficciones. Un territorio ambiguo donde la máscara pasa de ser un mero accesorio carnavalesco a un síntoma de los tiempos y una pregunta abierta. Inspirado en el hallazgo de una máscara de nueve mil años de antigüedad, Umpierrez indaga en la utopía de ser otro colocándose el traje de un conferenciante anónimo y de su doble, quienes a lo largo de la pieza van desgranando mitos que enlazan con historias de hacktivistas y astronautas, con el objeto de explorar las identidades que habitamos y esas otras que a menudo fingimos. Un viaje por la construcción de falsos egos que se crece con una escenografía minimalista pero de fuerte impacto visual a base de colores planos, videomapping y estrobos, además de un sugerente diseño sonoro a cargo del compositor Rafael Sucheras.

Luster es un disco que suena a otoño. En realidad, todo el universo sonoro de Maria Somerville parece nacer en un día nublado, con la chimenea encendida y las castañas calentándose en el horno. Somerville nació y se crió en Connemara, en la costa oeste de Irlanda, un contexto donde el gris y el verde lo impregnan todo, también sus acordes. Su música, un dream-pop hipnótico entre la ensoñación vocal de Julee Cruise y las producciones más etéreas de Cocteau Twins, viene a dar continuidad a ese sonido entre lo terrenal y lo espectral que siempre ha pertenecido al norte. Los fans de Mazzy Star o Beach House reconocerán esa sensación de flotar entre algodones, solo que en las canciones de la irlandesa esta dimensión etérea se nutre de componentes casi geográficos: el eco del viento, la humedad del Atlántico o un paisaje que se descubre cuando la lluvia amaina.

Al borde del documental y la ciencia ficción, el cine del brasileño Adirley Queirós y la portuguesa Joana Pimenta abre grietas por donde asoman historias que nadie antes se atrevió o quiso contar. Esta semana y como parte de la programación del Festival de Cine INSTAR, la Cineteca Madrid presenta la primera retrospectiva en España de este dúo necesario del cine de autor contemporáneo, en una muestra de tres días que recorre los títulos imprescindibles si queremos conocer y profundizar en su trabajo y trayectoria: Branco sai, Preto fica; As Figuras Gravadas Na Faca Com a Seiva Das Bananeiras, Um Campo de Aviação, Era uma vez Brasília y Mato seco em chamas. Queirós y Pimenta llevan más de dos décadas imaginando un nuevo cine al servicio de la comunidad, creando desde los márgenes y para los márgenes, y estirando los límites del lenguaje de la imagen, allí donde se unen crónica y distopía, para narrar historias de resistencia. Mujeres al mando de refinerías clandestinas, radios pirata, archivos inventados que reescriben la memoria colectiva… Toda una declaración política en forma de cine, o viceversa.

Entre espejos, velos y tocadores, las mujeres del siglo XIX encontraron en el estudio fotográfico un espacio para reinventarse. A estos lugares testigos de un tiempo pasado viajamos en Retratadas. Estudios de mujeres; una exposición comisariada por Stéphany Onfray que propone una nueva lectura de la fotografía del siglo XIX como espacio de expresión femenina a través de retratos, tarjetas de visita y objetos vinculados a la cultura visual de la época. En 1840, los estudios fotográficos comenzaron a diseñarse como si fueran elegantes salones de hogares burgueses. Sin embargo, las retratadas pronto transformaron esos escenarios pomposos en territorios de libertad, donde el acto de posar se volvió crucial para la construcción de su imaginario social y cultural. En el caso de esta muestra, que permanecerá abierta en el Museo del Romanticismo hasta el 25 de enero, el eje principal gira en torno al cuarto-tocador, un espacio íntimo y simbólico presente en muchos estudios en el que las mujeres podían acicalarse y experimentar con su identidad antes de ser fotografiadas, casi siempre, por hombres.

Si pensábamos que Esty Quesada -más conocida como Soy una Pringada- está últimamente hasta en la sopa, a partir de ahora la tendremos también como jefa de estudios en el Reina Sofía. Y es que, coincidiendo con el inicio del curso escolar 2025-26, el museo se transforma en una escuela poco convencional de nombre School of SUP, un experimento educativo dirigido por la más hater de los creadores de contenidos que convertirá el hogar del Guernica en un instituto para almas a la deriva y fanáticos de la cultura noventera. Las clases, que tendrán lugar dos jueves al mes durante el calendario escolar, sumergirán a sus alumnos en el lado más dark del arte y la cultura pop de una década que hizo de la pose depresiva y autodestructiva un artefacto más del mainstream musical, literario y cinematográfico. Un programa “educativo” para mayores de 18 años con el que explorar desde el humor y la curiosidad la figura del artista maldito, con la profesora que todos habríamos deseado tener en la ESO.