Jeff Mills, rey del techno mundial que se asoma al jazz: "Soy DJ profesional, pero eso no es nada en comparación con crear música desde cero"

El siglo XXI ha supuesto para el estadounidense Jeff Mills una oportunidad de reciclarse, de investigar otras sendas más allá del techno, la música en la que ha reinado durante tres décadas. Formado a finales de los 80, se convirtió pronto en uno de los grandes DJs de la escena Detroit que vio nacer ese estilo de la música electrónica. El cambio de milenio tuvo para él dos hitos incontestables: la banda sonora que hizo para Metrópolis (2000), el clásico mudo de Fritz Lang, y su disco en directo Blue Potential, en el que le acompañaba la Orquesta Filarmónica de Montpellier. En este 2024 ha publicado su último disco, The Eye Witness, un disco de electrónica de aires futuristas y no bailable, pero estos días está de gira por España -el viernes en el Lula Club como parte del Festival Internacional de Jazz de Madrid y el sábado en el Parc del Fòrum de Barcelona en el marco de Jazztrónica Fest- con Tomorrow Comes the Harvest, un proyecto de jazz electrónico, free jazz y hip-soul publicado en 2023, en el que le acompañan el teclista Jean-Phi Dary, Prabhu Edouard, que toca la tabla hindú y al que añaden para la ocasión al trompetista Emile Parisien. Hablamos con él por vídeollamada desde París su manera de ver la música.

P. La semilla de este proyecto está en el álbum que grabó en 2018 con el batería nigeriano Tony Allen y las giras que realizaron hasta su fallecimiento en 2020.

R. Sí, el concepto surgió entonces. Nos conocimos por ciertas circunstancias y terminamos trabajando juntos. Durante ese tiempo conversamos sobre ritmo y música. Y le dimos vueltas a la idea de que la música pueda ser más libre, sin límites, sin barreras, con el músico o el grupo de músicos tocando lo que sienten, lo que quieren en cada momento. Ha habido ejemplos de esto en el pasado. Lo ves en grupos como Jazz Messengers, en Miles Davis o en la Sun Ra Orchestra. La diferencia con lo que hacemos nosotros ahora es que jugamos desde tres direcciones diferentes. Afrobeat, música techno y luego la tabla india, un tipo de música tradicional. Así que estamos mezclando géneros, estilos, lo cual es muy, muy interesante.

P. Es una visión abierta de la música. Mucha gente tiende a encerrarse en un género, pero aquí la música se transmite a diferentes espacios.

R. Tal vez sea un reflejo de cómo es hoy el mundo y cómo nos comunicamos con las redes sociales e internet. Quizá esto es solo un intento de reflexionar sobre cómo vivimos. Así que no sé, tal vez sea una señal de lo que vendrá. Quizá una banda de jazz no tenga que tocar jazz todo el tiempo. Tal vez las expectativas de lo que se supone que deben hacer los músicos sean un poco más flexibles. Quizás no estemos limitados a que Beyoncé haga un álbum country. Tal vez realmente haya cambiado algo.

P. Con este proyecto, el acento está en la improvisación, en el directo, que es un elemento muy importante de la música actual.

R. Sí, creo que esto pasa con todos los géneros. Y es algo que vale la pena explorar más en la música electrónica. Si la tecnología no permite a los músicos ser más libres, deberíamos ser nosotros quienes nos permitirmos ser más libres. Utilizo cajas de ritmos desde los años 80, y sé que podría ser más libre si la máquina me lo permitiera. Me gustaría ser más espontáneo. Si algún fabricante de instrumentos electrónicos está leyendo esta entrevista, quiero decirle que los músicos electrónicos quieren dedicarse más a crear su música en libertad, y no estar condicionados por el software ni por secuenciadores MIDI que no nos dicten el pulso humano. Es un camino interesante intentar ser más libre y desconectarse del condicionamiento de estas máquinas.

P. Siempre ha sido un explorador y no se ha limitado sólo a hacer techno. ¿Eso viene de sus tiempos con el colectivo Underground Resistance, en los 90?

R. Nunca estuve convencido de que debía hacer el mismo techno todo el tiempo. Y casi desde el principio, con Underground Resistance, no hacíamos ningún tipo de música concreta, sino cosas diferentes: techno jazz con música rave muy dura, voces y música house. Explorábamos y experimentábamos, y canalicé esa idea hacia diferentes estilos. Siempre me sentí cómodo haciéndolo todo al mismo tiempo y sin tener que dar explicaciones de por qué hago las cosas. Nunca me sentí culpable ni nervioso por explorar y experimentar. La gente a veces no lo entiende en ese momento, sino a medida que pasa el tiempo. Tal vez tenga porque las cosas cobran sentido más adelante. Siempre pensé que era importante crear, publicar, poner eso a disposición del público. Como músico, eso es lo que se supone que debo hacer. Todo lo demás que está involucrado en la música dance y la música electrónica no es tan importante como la creación de la música en sí. Soy DJ profesional, pero eso no es nada en comparación con crear algo desde cero. La música que componemos es lo único que realmente dejamos como testimonio. No se trata de sesiones de DJ, de sesiones de fotos, de portadas y de top 10. Lo importante es tu creación. Y ahí es donde pongo la mayor parte de mi énfasis, para perfeccionar lo que hago y conectarlo con el oyente tanto como puedo, para que la gente se sienta más cómoda y conviva con ello no sólo el fin de semana, sino que lo quiera escuchar una y otra vez, una y otra vez. Así que mi enfoque ha cambiado a lo largo de los años, me lo tomo mucho más en serio que nunca. Me gustaría mostrar a la gente que la música es un regalo muy especial.

P. Este proyecto es esencialmente instrumental. ¿Por qué no ha elegido hacerlo con vocalistas, con cantantes?

R. Sigo pensando que de todos los instrumentos, el poder de la voz es el que más penetra, el que más conecta. Y, ya sabes, crecí en Detroit y alrededor de la Motown [el sello de artistas como Stevie Wonder, Marvin Gaye o The Supremes]. Es de donde vengo. Ahora estoy trabajando con una vocalista y acabamos de debutar en Francia, en Normandía. Es de Palestina y su nombre es Kamilya Jubran. Y es una experiencia diferente, más espiritual, más profunda. En este momento necesitamos escuchar el mundo y decir cosas que tengan más trascendencia. Desearía que pudiéramos conseguir eso en la música techno.

P. Ha estado involucrado en sellos discográficos como Axis Records ¿Qué opina de las discográficas?

R. Es una montaña rusa. El consumo de música de la gente cambia. Es un desafío hoy en día ganarse la vida y hacer una carrera vendiendo música. Todo el mundo escucha música, pero es realmente difícil. La gente no compra álbumes completos. Compran una canción aquí, otra allá, descargan esto o reproducen esto o aquello con suscripciones en plataformas y cosas así. Por eso sigue siendo una industria muy fragmentada. Creo las cosas mejorarían si hiciéramos música más emocionante. Y que los grandes artistas hicieran grandes álbumes. Fuera de mi género, en el hip-hop o en el pop, cada canción cuenta con una colaboración diferente, los featurings con diversos artistas. Tal vez sería mejor que, sencillamente, los artistas hicieran sus propios álbumes en lugar de este tipo de colaboraciones. Los buenos álbumes fortalecerían la industria. Y también necesitamos revalorizar los directos, porque eso te acerca más a tus oyentes, a que puedas establecer una conexión con ellos.

P. ¿Cómo ve el estado y el futuro del techno?

R. Es un género que creo que necesita mucha más perspectiva. No debería ser un género que haga una cosa de una manera particular, debería abarcarlo todo. Si creamos algo interesante y se lo ofrecemos a la audiencia, la audiencia responderá. Eso creo que realmente depende del artista o del DJ, proponer más ideas además de lo que estamos haciendo ahora. La tecnología está ahí. Pero podemos explorar más.