Las críticas de cine de la semana: 'Top Gun: Maverick', 'Memoria', 'La piel en llamas', 'Costa Brava, Líbano'...

Mirando a los 80 sin ira (ni complejos)

Cada espectador y espectadora tiene su relación personal con determinadas películas que, por distintos motivos, han marcado a diferentes generaciones. En el contexto del cine estadounidense de los 80, tan exitoso y cuestionable a la vez como la producción realizada en los 70 –desde hace años más de moda– o la de los 90, hay al menos un par de generaciones que tienen como emblema Los Goonies, uno de esos filmes que, según cómo te pille, se convierte en una revelación o lo ignoras por completo. Algo similar ocurre con otro pilar comercial de aquel decenio de grandes éxitos, Top Gun: Ídolos del aire, que además de conectar con buena parte de las plateas, ha gozado con el paso del tiempo de dos valores añadidos. Uno, incuestionable, es su protagonista, Tom Cruise, quien es capaz de volver al personaje de Maverick como si física y anímicamente no hubiera pasado el tiempo. El otro es su director, Tony Scott, fallecido hace nueve años y convertido en curioso caso de cineasta comercial de culto.

En los 80 se odiaba o se idolatraban filmes como Top Gun, Cocktail y Oficial y caballero. Los dos primeros con Cruise. El tercero con Gere. Actores que, con registros y propuestas distintas, aguantan bien el tipo. Han pasado nada más y nada menos que 35 años desde que se estrenara el primer Top Gun y ahora, viendo su continuación, Top Gun: Maverick, nada parece haber cambiado. Solo está Cruise y, en un pequeño y en el fondo doloroso papel, Val Kilmer, cuyo personaje tiene el mismo cáncer de laringe que padece el actor. Ni Kelly McGillis ni Meg Ryan están para seguirle el ritmo a un Cruise que ya ha firmado unos cuantos pactos con el diablo hasta convertirse en el moderno Fausto de Hollywood. Así que se incorpora Jennifer Connelly, en un papel muy de quita y pon, y, sobre todo, el hijo del camarada muerto de Maverick, encarnado por Miles Teller.

¿Relevo generacional en el actual star system? Ni mucho menos: Cruise manda sobre Teller y controla todos los resortes de una película que juega abiertamente a la nostalgia –de la historia original y de una forma de concebir el cine de gran aparato– y una tamizada virilidad, a la vez que, en otra declaración de principios del Cruise productor, imprime gran fisicidad a las secuencias de acción. Los vuelos de los aviones entre montañas abruptas son técnicamente prodigiosos. Después, cuando Maverick se enfunda su reluciente traje militar, el cine de consumo norteamericano parece mirar tres décadas y media hacia atrás, sin ira. Cruise es hoy el único actor hollywoodiense que tiene capacidad para hacer pervivir el mito. - Quim Casas

Los sonidos del silencio

Buena parte de las películas del director tailandés Apichatpong Weerasethakul transcurren en la tupida y húmeda selva de su país, de Tropical Malady a Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas. Además, casi todas giran alrededor de la transmutación de las almas y la reencarnación, tema esencial en la cultura tailandesa, así como la confrontación entre la ciudad y la jungla. Memoria tiene como protagonista a una botánica británica que vive en Medellín (Tilda Swinton), pero pese al cambio geográfico y la internacionalidad que procuran Swinton (y Jeanne Balibar y Daniel Giménez Cacho en personajes muy breves) y el hecho de estar hablada en inglés y español, la última película de Weerasethakul conecta total y admirablemente con las demás, solo que aportando ligeras modificaciones.

La selva colombiana en la que transcurre la segunda parte de la cinta está filmada de idéntico modo, un espacio en el que las piedras, el musgo, la tierra, los árboles y riachuelos tienen vida por si mismos. En este relato no se trata de la transmutación de las almas, sino del intercambio de los sonidos y de los recuerdos. Jessica, la protagonista, escucha un golpe sordo y fuerte en distintos ámbitos, en casa o en un restaurante, en la ciudad o en el campo, y parte al corazón de la selva –que no es el corazón de las tinieblas– para hallar el origen de ese sonido misterioso que la perturba. Su viaje, y lo que encuentra en una pequeña localidad, es magnético, con la creación de un espacio sonoro y una capacidad para la fascinación por lo irreal que hermana al cineasta tailandés con David Lynch. - Quim Casas

Un texto con mil capas

Un único espacio (una habitación de hotel), dos tiempos diferentes y cuatro actores. Con estos elementos básicos el director David Martín Porras adapta la obra de teatro de Guillem Clua que hablaba sobre el racismo interiorizado, el poder de las imágenes, la labor periodística en los conflictos bélicos, las víctimas y los verdugos.

Muchos temas y niveles de lectura que convergen de una manera transparente a lo largo de una película en la que el texto y los intérpretes se convierten en los elementos fundamentales de, nada mejor dicho, la función. En ese sentido, resulta sorprendente la transformación de Fernando Tejero en un papel de lo más incómodo, así como la contención de Óscar Jaenada, ambos alejados de su zona de confort, pero dotando de intensidad y concreción a sus acciones y palabras. 

La piel en llamas se configura a modo de thriller de habitación cerrada en el que el misterio no es otro que destapar la red de abusos heredada del imperialismo colonial y por qué las mujeres continúan siendo el eslabón más débil de la cadena, un legado maldito que continúa resonando en el presente de una manera reveladora. Sobran los subrayados, se echa en falta una puesta en escena algo más imaginativa y jugosa, pero los mensajes que ofrece el guion son lo suficientemente ricos, potentes y variados para mantener la tensión asfixiante que se genera a través de ellos. - Beatriz Martínez

El vertedero como metáfora

La directora de Costa Brava, Líbano, Mounia Akl, explicaba en su reciente visita a Barcelona, para presentar la película en el festival D’A, que el curioso título, al menos para nosotros, no tiene nada que ver con la Costa Brava, aunque hay una zona de Beirut a la que las autoridades decidieron ponerle ese nombre pensando en la costa catalana. Porque el filme parte de situaciones reales para construir una ficción en torno a una familia que se ha alejado de la gran ciudad, pero observa impotente como la ciudad regresa a ella: al lado de la casa en la que viven, situada en una colina lejos del mundanal ruido, se construye un vertedero público.

Protagonizada por la también directora Nadine Labaki (Caramel), Costa Brava, Líbano es interesante no solo por su carácter eminente de denuncia social, sino por la forma de mostrar el problema desde cuatro o cinco puntos de vista, tantos como miembros tiene la familia. Si la construcción del vertedero indigna al padre, la hija adolescente descubre, al contacto con los jóvenes obreros, el primer deseo amoroso. En este sentido, el filme, coescrito con la directora catalana Clara Roquet, resulta armonioso. En el choque entre los integrantes de esta familia que ve peligrar la utopía en la que habían creído reside la fuerza de un filme que tiene algo de cine de resistencia, o el vertedero como metáfora de la corrupción imperante en el Líbano. - Quim Casas

El conflicto vasco desde la intimidad

Dentro de la vertiente de recuperación del conflicto vasco a la que estamos asistiendo (de Patria a Maixabel pasando por La línea invisible), se inserta la nueva película de Ángeles González-Sinde, basada en un libro del mismo título de Gabriela Ybarra, nieta del periodista y político Javier Ybarra, asesinado por ETA en 1977. En él, la protagonista establecía un vínculo con la memoria de su familia tras la muerte de su madre por un cáncer. Así, presente y pasado se relacionaban de una forma estrictamente íntima, desde la necesidad de Icíar (en la película, Susana Abaitua) de rastrear la herencia que marcó su vida, la de la pérdida y la violencia para entender la de la necesidad de cerrar las heridas que había arrastrado su progenitor.

El comensal es una película que intercala dos tiempos. En el pretérito se centra en la espera, la de unos hijos solos aguardando la decisión de la banda terrorista tras el secuestro de su padre. En la actualidad, nos adentramos en el peso de la culpa y la necesidad de liberarse de esa pesada carga. La directora maneja con soltura ambas esferas, siempre moviéndose en el ámbito de los sentimientos, de lo que significa la pérdida y el dolor. Al igual que con el libro, se trata de una memoria personal sincera y delicada en la que lo político impacta de manera directa en lo individual, en el duelo y la ausencia. - Beatriz Martínez

Retrato de un personaje mítico

Maigret se basa en Maigret y la joven muerta, una de las dos novelas que Georges Simenon consagró en 1954 a su famoso comisario de la policía judicial francesa. Aunque es la primera vez que se acerca al personaje, no es la primera adaptación que Patrice Leconte realiza de Simenon. En 1989 versionó Monsieur Hire y logró su mejor filme hasta hoy. Maigret es la mejor que ha realizado desde entonces. Algo tendrá Simenon para que la mayoría de las películas basadas en sus textos sean aceptables.

Un buen Depardieu, nada excesivo, compone un Maigret de movimientos pesados, que apenas prueba bocado y con los bronquios obstruidos, a quien su médico, el mismo que realiza las pruebas forenses, le dice que deje de fumar. Es un Maigret crepuscular, aunque igual de lúcido y paciente. Depardieu, que en 2001 ya interpretó a otra eminencial policial, Vidocq, sigue los pasos de insignes actores en la composición de un personaje atractivo para cualquiera. Pero su Maigret es más melancólico. La torpeza con la que se desplaza Depardieu está en consonancia con la imagen de este policía que ya no disfruta de una cerveza en la brasserie Dauphine ni tiene animadas charlas con su esposa. La trama es lo de menos: Leconte quiere retratar un personaje mítico antes que contar una historia de intriga. - Quim Casas