Las críticas de cine de la semana: 'Cinco lobitos', 'JFK: Caso revisado', 'El sastre de la mafia', 'Espejo, espejo' y 'Clara Sola'

¿SE PUEDE SER MADRE AL TIEMPO QUE SE CONTINÚA SIENDO HIJA?

Cinco lobitos pasó también por el festival de Berlín, en el año de gracia del cine español en el certamen alemán. Responde al ideario de un cine intimista, conciso, realizado por directoras que hablan de las cosas que escapan a la mirada masculina o son transformadas por esa mirada. Ruiz de Azúa sitúa a su protagonista, Amaia (Laia Costa), en el centro de todo. Porque acaba de ser madre, pero también es hija. Y las dificultades de ser plenamente ambas cosas se entrecruzan en un relato contado de forma muy ecuánime, tenso, pero sin grandes sobresaltos.

Amaia se enfrenta en solitario a los primeros días de la maternidad. Tiene pareja, pero el joven se ausenta por trabajo. Ahí se encuentra un conflicto dramático por explorar que la directora no convierte en el más importante. Porque pronto desplaza a Amaia y su bebé a la casa de los padres de ella. Lo que en principio es necesidad, adquiere poco a poco otros rasgos dramáticos. ¿Se puede ser madre, buena, mala o regular, al mismo tiempo que se continúa siendo hija, regular, mala o buena?

De un conflicto se pasa a otro con absoluta naturalidad. Ese es uno de los mejores aciertos de la película, sustentada también a partir de su ecuador en la confrontación de sus dos actrices principales, Costa y Susi Sánchez. El filme tiene altibajos, pero se revela, sobre todo en su primera parte, antes de la llegada a la casa de los padres, un retrato sólido y honesto de las inseguridades, incertezas, ansias, lamentos y necesidades de una persona tan segura como frágil ante una situación deseada que siempre, en algún momento, la acaba superando. - Quim Casas

A VUELTAS CON EL MAGNICIDIO DE DALLAS

Cuando Oliver Stone realizó su docudrama JFK: Caso abierto en 1991 existían muchas dudas y escasas certezas sobre el magnicidio de Dallas. La repercusión de la película, basada en la idea absolutamente lógica de que John Fitzgerald Kennedy fue víctima de una conspiración y no de un asesino único, hizo que se acelerase el proceso de desclasificación de los archivos sobre el caso.

Oliver Stone, que se ha pasado media vida revisando la política interior y exterior de su país mediante representaciones o documentales sobre Richard Nixon, George Bush padre, Fidel Castro y Hugo Chávez –una vez agotado el tema de Vietnam y, en general, la cultura estadounidense de los 60–, vio en esos archivos desclasificados la posibilidad de volver al asesinato de John Kennedy. Revisa un caso que él mismo abrió. Y tal como funciona el filme, estamos muy lejos aún de un caso cerrado.

El principal problema de este documental es que no aporta demasiadas cosas nuevas en relación con la conspiración, la posible participación de empresarios y mafiosos para quienes Kennedy era un enemigo declarado o el asesinato de Lee Harvey Oswald a manos de Jack Ruby. Stone vuelve obsesivamente sobre el tema, pero tras su aluvión de imágenes de archivo, diagramas, reconstrucciones y entrevistas, siguen las mismas dudas y misterios, incluyendo las mil explicaciones que procura sobre la tristemente famosa bala mágica y única. - Quim Casas

MARK RYLANCE ES EL REY DE LA FUNCIÓN

Mark Rylance es, efectivamente, el rey de esta función. Él sostiene toda la película pese a que hay tres personajes más de cierta entidad. Teniendo en cuenta que se trata de una suerte de pieza teatral filmada dentro de una sastrería de Chicago, en 1956, y que la acción acontece durante una sola noche, la carpintería del teatro se nota por todos los costados de la película. No hay intento de trascender en ningún momento la noción del teatro-filmado. Si el texto no es nada del otro mundo, lo que acaba importando es la actuación. Aquí, el acierto total es contar con el camaleónico Mark Rylance, actor notabilísimo, aunque sin la cotización de estrella. Afortunadamente. No echemos a perder su ductilidad, pausa, capacidad para sugerir tanto con los silencios y otras muchas virtudes que atesora el actor de Mi amigo el gigante y El puente de los espías.

En El sastre de la mafia muestra una de sus facetas habituales, la del individuo apesadumbrado, en apariencia anónimo y gris, que acaba moviendo los hilos de la trama desde el sigilo y la contemplación. La historia gira en torno a una cinta con una grabación comprometedora para una banda de gánsteres. Graham Moore, el director, puede haberse inspirado en el Hitchcock de La soga –un arcón juega en ambos filmes una función especial–, pero la historia es puro fuego de artificio salvada por el magnético trabajo de Rylance. - Quim Casas

LA REBELIÓN DE LOS ESPEJOS

El espejo, esa arma de doble filo que nos muestra nuestro reflejo. Lo que vemos al otro lado, puede gustarnos u horrorizarnos, aunque siempre seamos nosotros. Nos aprobamos a través de la imagen que se proyecta o nos juzgamos. Nos queremos o nos odiamos. ¿Y si ese reflejo que vemos al otro lado tomara una entidad propia? Es lo que propone Marc Creuhet en su nueva película, una comedia, tan perversa como divertida, en torno a la identidad que escondemos tras las máscaras de las apariencias. ¿Cuánto hay de verdad y de mentira en esa idea que queremos proyectar? 

Al director siempre le ha gustado manejar en sus textos esa fina línea que separa la realidad y la representación y, en ese sentido, Espejo, espejo es un artefacto con sus propias reglas en el que hay espacio tanto para el absurdo como para el elemento parabólico. Podría ser un cuento sobre la dictadura de la imagen en la era de las redes sociales, también una sitcom sobre las frustraciones y los deseos diarios. En realidad, puede ser lo que tú quieras. Te puede hacer reír o te puede desconcertar por su naturaleza marciana. Pero ahí está su mérito, en saber manejar una premisa original hasta el final y componer con ella un dispositivo narrativo que no se agota y que bascula entre la lucidez y el disparate, defendido por un grupo de actores que saben jugarlo hasta el final. - Beatriz Martínez

MISTICISMO Y DESEO

No resulta tan habitual encontrar una película cuyo personaje principal, a través de su personalidad y sus particularidades, inunde de una manera tan rotunda todo el significado e incluso la atmósfera de una película. Es lo que ocurre en la ópera prima de la costarricense Nathalie Álvarez Mesén, construida alrededor de una protagonista femenina cuyo influjo lo invade todo. Podría ser una heroína, pero la han convertido en una mártir, porque su entorno no le permite ser realmente libre, constituyendo la religión y las convenciones sociales sus yugos. Tiene capacidades especiales, se comunica con los animales, dicen que puede curar a través de la Virgen, pero su verdadera naturaleza, tanto física como sexual e incluso espiritual, está reprimida, anulada. Así, el descubrimiento del deseo la sumergirá en una espiral de progresiva ruptura con las ataduras patriarcales que la habían constreñido. 

La directora nos sumerge en un universo profundamente sensorial, telúrico, místico, de forma que podemos ver, sentir las cosas tal y como Clara las percibe. El realismo mágico está ahí presente, pero no desde la perspectiva de García Márquez o Isabel Allende, sino desde la óptica de las escritoras latinoamericanas que operan en la actualidad y que narran de una manera tan singular lo intangible. En ella se conjuga a la perfección lo poético y lo primitivo, el simbolismo con las pulsiones más básicas. Es una película muy especial, como la propia Clara, magnética y frágil, delicada y arrebatada, ascética y terrenal. Nathalie Álvarez Mesén se inserta en la línea de directoras como Claudia Llosa, Alice Rohrwacher, en las que el imaginario fantástico se vuelve palpable. - Beatriz Martínez