Las críticas de cine de la semana: 'La abuela', 'Licorice Pizza', 'Belfast', 'El pacto', 'Todo ha ido bien' y 'Prisioneros de Ghostland'

LO BELLO Y LO MALVADO

Hay miedos que no cambian, que están ahí desde el momento en que tenemos uso de razón y somos conscientes de que nuestra existencia es finita. Miedo a la enfermedad, miedo a envejecer, miedo a la muerte. Miedo a perder a nuestros seres queridos, a enfrentarnos al vacío. De todas esas cuestiones habla este cuento oscuro en el que late una constante incomodidad hasta sumergirnos en los territorios del horror más atávico a través de la relación entre una nieta y su abuela enferma. 

Paco Plaza regresa al género que lo ha convertido en un maestro para seguir explorando su particular universo, esta vez más minimalista, sofisticado y detallista que nunca. Una casa, dos mujeres y una serie de objetos cotidianos que adquieren un significado simbólico. Un espejo que refleja la belleza efímera, unos relojes parados, las sucesivas capas de una matrioshka. La abuela es una pieza de cámara en la que el huis clos se convierte en un elemento fundamental, casi de una manera polanskiana, aunque en este caso el terror psicológico se funde con el sobrenatural de forma muy orgánica.

El director renuncia al efectismo para apostar por la sobriedad y la elegancia estilística, tanto en lo que se refiere a la planificación secuencial como a la utilización casi expresionista de las luces y las sombras. Y dentro de ese espacio cerrado asfixiante convive el costumbrismo y el esoterismo, la crítica social y las pesadillas, lo bello y lo malvado. - Beatriz Martínez.

LA PAREJA LUMINOSA

Paul Thomas Anderson ambientó su tercer largometraje, Magnolia, en el valle de San Fernando, en el área metropolitana de Los Ángeles, el lugar en el que vive desde hace mucho tiempo. Aquel filme era un relato coral de historias independientes que acaban relacionándose entre sí. Philip Seymour Hoffman interpretó a uno de los personajes. De hecho, hasta The Master, Hoffman, fallecido en 2014, intervino en todas las películas de Anderson excepto Pozos de ambición, convirtiéndose en su actor más especial. Dos décadas después, el director sitúa la acción de Licorice Pizza de nuevo en San Fernando, que es tanto un lugar como un estado de ánimo, el de varios adolescentes y jóvenes a principios de los años 70. Y uno de estos está interpretado por Cooper Hoffman. El debut ante las cámaras del hijo de Seymour Hoffman establece una emotiva relación con anteriores trabajos de Anderson. No es solo una especie de homenaje a su actor predilecto. Es también una transmisión de conocimiento cinematográfico, como si el director de Licorice Pizza le debiera a Seymour Hoffman el tutelaje inicial de su hijo.

La verdad es que pese a carecer de experiencia, Cooper Hoffman está muy bien. Anderson extrae de él toda la expresividad posible de su edad, sus dudas, miedos y aspiraciones. Lo mismo con Alana Haim, otra debutante en cine, a la que Anderson había filmado en varios videoclips de Haim, la banda formada con sus dos hermanas. La diferencia de edad entre ambos personajes no es un inconveniente, todo lo contrario. Ni la muchacha ejerce como alguien de su edad en el filme, 25 años, ni el adolescente tiene las mismas inquietudes que los chicos de 15 años. Esta 'extraña' amistad alumbra una historia de apariencia tranquila, aunque no relajada, ya que los protagonistas son sometidos a diversas pruebas en un contexto sociopolítico bien definido y últimamente muy explorado por el propio cine norteamericano.

En la historia de Alana y Gary se mezclan algunos recuerdos del propio Anderson y del productor Gary Goetzman, del mismo modo que aparecen personajes imaginarios y reales (otro productor cinematográfico, Jon Peters) interpretados por Bradley Cooper, Sean Penn, Tom Waits, Benny Safdie, Maya Rudolph o George DiCaprio, padre de Leonardo. Anderson filma con una mezcla de elegancia y agitación –como en El hilo invisible, aunque con un estilo visual distinto–, y la cámara se desplaza de un personaje a otro capturando de paso la esencialidad de ese valle de San Fernando tan importante para el director como para quienes lo habitan en esta ficción. Anderson busca una cualidad y nitidez que solo puede darle el formato de 70 mm, tan importante aquí con en las películas de Quentin Tarantino y Christopher Nolan rodadas en este soporte. El director, nada nostálgico –esto no es American Graffiti–, hace vibrar a los personajes por sí mismos –la complicidad entre ellos es sencillamente luminosa– y por la manera de filmarlos en panorámico, buscando –y logrando– una experiencia cinética envolvente y contundente. - Quim Casas.

PROTESTANTES EN CLAVE SUAVE

Kenneth Branagh está muy productivo como director. El año pasado rodó Belfast y Muerte en el Nilo. La segunda es una nueva adaptación de Agatha Christie con el propio Branagh en el papel de Hércules Poirot: un encargo exitoso más para lucimiento actoral que directivo. La primera es todo lo contrario: un proyecto personal y autobiográfico, rodado en un luminoso blanco y negro, sin Branagh en el reparto y con un niño como protagonista absoluto. El pequeño Buddy es el mismo director, nacido en Belfast en 1960. La acción del filme acontece en la ciudad irlandesa nueve años más tarde. Por un lado, es el retrato de un barrio, de una calle. Por el otro, contempla las disputas violentas entre católicos y protestantes. La familia de Buddy es protestante y conciliadora, pero en la calle viven varias familias católicas. Y los protestantes más airados siembran el terror.

La mirada de Branagh no es virulenta. En absoluto. A veces resulta, incluso, demasiado complaciente. Las canciones de Van Morrison suavizan algunos momentos y nos retrotraen a aquella época. El relato está recorrido por los sermones en la iglesia, la violencia por causas religiosas y lo que Buddy ve en el cine, el teatro y la televisión. En casa, ante el televisor, filmes y series en blanco y negro. Pero cuando va al cine, el descubrimiento: las imágenes en exultante color de Raquel Welch en Hace un millón de años. Es el retrato nada acre de una infancia rodeada de cariño -la madre, el padre ausente pero comprensivo y los abuelos que encarnan Judy Dench y Ciarán Hinds- que se impone sobre la violencia irracional. - Q.C.

RELACIÓN DE MUTUA CONFIANZA

La escritora danesa Karen Blixen sigue dando juego cinematográfico como personaje más allá de las adaptaciones de sus novelas en Una historia inmortal y El festín de Babette. Memorias de África ofreció la visión algo glamurosa desde Hollywood. La más reciente Karen se aproximó al personaje desde la independencia y la radicalidad narrativa. Meryl Streep y Christina Rosenvinge la interpretaron. En El pacto le da vida una actriz de su misma nacionalidad, Birthe Neumann, quien la representa a los 63 años y en el momento más álgido de su carrera literaria.

Muy poco contó la escritora de la historia vertida en la película realizada por Bille August, un cineasta tan clásico como contemplativo. El filme se basa en las memorias de Thorkild Bjornvig, joven poeta que estableció con Blixen el pacto al que alude el título, un pacto de fidelidad espiritual que dejaba de lado cualquier relación amorosa o erótica para centrase en la confianza de él hacia ella y en la protección de la escritora ilustre hacia el rapsoda en ciernes.

Esta relación compleja, a veces algo ambigua, es mostrada con una puesta en escena elegante y hasta ascética, en la que los personajes susurran más que hablan, la reconstrucción de la época es severa y la música está empleada en su justa medida. Es un filme sobre la creación, o sobre los caminos que llevan a confiar en las capacidades de uno mismo para crear. - Q.C.

ENGORROSA EUTANASIA

Cineasta habituado a explorar tabús sociales y puntos ciegos de la moral humana, en Todo ha ido bien el francés François Ozon aborda la eutanasia; el resultado, eso sí, carece de la ambigüedad y la traviesa perversidad a las que durante mucho tiempo se asoció su filmografía. Basada en el libro homónimo de Emmanuèle Bernheim, en el que la autora relataba el proceso que culminó con el suicidio asistido de su padre, la película desatiende los dilemas éticos que el asunto genera para centrarse en las dificultades prácticas que planificar una muerte plantea.

En el proceso, Ozon no se preocupa por descifrar los detalles de la relación supuestamente compleja que da fuelle a la narración ni, en concreto, por investigar por qué la hija decide ayudar de forma incondicional al padre que tanto dolor le causó en el pasado; a su lado, ninguno de los personajes restantes llega a trascender la condición de boceto. El francés, entretanto, huye por completo del tremendismo y la sensiblería pero se muestra incapaz de encontrar soluciones dramáticas alternativas -a ratos coquetea torpemente con la comedia, a ratos con el suspense- con las que aportar envergadura emocional al relato y dotarlo de ritmo y estructura. En cambio, en su camino hacia una conclusión predeterminada, Todo ha ido bien transcurre como una tediosa sucesión de escenas demasiado parecidas entre sí, tan absorbente durante casi todo su metraje como una visita al neurólogo. - Nando Salvà.

NICOLAS CAGE EN SU SALSA

El encuentro entre Sion Sono, uno de los directores japoneses más radicales y desconcertantes del panorama actual, y Nicolas Cage, un actor que desde hace años acepta trabajar en proyectos de lo más estridente con cineastas independientes, prometía echar chispas. Pero el resultado, ‘Prisioneros de Ghostland’, no es tan sorprendente como se podía prever. Cage encarna a un ladrón de bancos encarcelado después de un atraco que termina en un baño de sangre. Un señor de la guerra blanco que viste como un cacique tejano le saca de la cárcel para que encuentre a su teórica nieta adoptiva, una muchacha que había sido prostituida y ha logrado escapar. La particularidad reside en que, para asegurarse de que cumple el encargo, el cacique obliga a Cage a vestirse con un traje de cuero negro repleto de sensores y cargas explosivas que detonaran en determinadas circunstancias. Huelga decir que el viaje está plagado de obstáculos y que el ladrón, tan psicótico como acostumbran a ser los personajes de Cage, acaba imbuyéndose de la rebeldía de la ciudad a la que llega, Ghostland, en oposición a la tiránica localidad de Samurai Town.

La película es como un cómic excéntrico, una comedia negra, un 'thriller' visceral y un relato fantástico pasado de vueltas, todo en un mismo filme, algo habitual en un director a quien, en determinadas películas –y está es una de ellas– se le ven demasiado las costuras. - Quim Casas.