Las críticas de cine de la semana: 'Fue la mano de Dios', 'La familia perfecta', 'El amor en su lugar', 'El poder del perro'...

Mordiscos de maestría

Un horizonte árido dominado por una tierra de hombres. El mito del vaquero, la esencia del wéstern, toda esa inabarcable herencia y una directora, Jane Campion, que aborda ese género pedregoso y violento desde una perspectiva autoral a medio camino entre el respeto y la reformulación. 

Para ello, adapta la novela homónima de Thomas Savage, de la que logra extraer todo un complejo microcosmos humano a través de una narración coral en la que una serie de personajes se irán pasando el testigo unos a otros al mismo tiempo que gravitan alrededor de una figura totémica: la de un hombre que con su odio intoxica todo lo que le rodea (Cumberbatch) y que se esforzará en humillar sistemáticamente a la mujer (Dunst) de su hermano (Plemons) utilizando a su hijo para ello (Smith-McPhee).

Cada encuadre le sirve a Campion para enmarcar los deseos frustrados de sus personajes sin necesidad de que digan una sola palabra. Su dominio de la planificación es tan apabullante que consigue que la pantalla se llene al mismo tiempo de belleza y de perturbación, de poesía y dolor a través del choque constante que se establece entre lo masculino y lo femenino, entre la represión de la identidad sexual y la angustia que genera vivir atrapado por el deseo. 

El poder del perro es una película tan visceral y atávica como también profundamente mental (y lírica). Hay momentos que remiten a El piano, otros a Bright Star, pero su dimensión tiene otro cariz, mucho más sibilino. Campion tiene la habilidad de introducirse en el interior de los personajes al mismo tiempo que los retrata en el entorno que habitan. El paisaje emocional y la naturaleza inmutable. Las pugnas de poder en un mundo a punto de desaparecer. Una obra majestuosa y abrumadora. - Beatriz Martínez.

Retrato de grupo disconforme

Parece por momentos una película de los hermanos Coen, pero con un sentido del humor, y del drama, bien distinto, en consonancia con la particular y agitada métrica de las producciones surcoreanas. Muestra a un grupo humano que no desentonaría del de Parásitos, por citar el filme más relevante de esta cinematografía en la última década, pero no tiene la misma profundidad en el retrato del caos familiar y social, ni tampoco lo pretende.

Dibuja a unas personas completamente a la deriva y en situaciones de lo más extremo. Aparece repentinamente un cadáver. Un personaje se ha dado a la fuga con una partida de dinero, otro encuentra en la sauna en la que trabaja una bolsa llena también de dinero y un tercero se presta a matar al esposo maltratador de su amante. Azares, casualidades, venganzas. La avaricia, pero, acostumbra a romper el saco. Es un drama. Es un relato de suspense. Y a su manera tiene bastante humor negro, aunque solapado. Curioso, como casi todo el cine, sea del género que sea, procedente de Corea del Sur, el nuevo placebo de la cinematografía mundial. Cuenta también con presencia de la veterana Youn Yuh-jung, vista y oscarizada por la reciente Minari. Historia de mi familia, y premiada ni más ni menos que en el Festival de Sitges de 1971 por el filme La mujer de fuego. - Quim Casas.

Aunar ligereza y compromiso

A través de estos tres humildes héroes de la clase trabajadora nos acercamos a conflictos como el racismo, la intolerancia, los prejuicios sociales y el sentimiento de exclusión desde la más absoluta lucidez. La tarea de Ballús resulta titánica a la hora de organizar todo el material que registró durante el rodaje, disponiéndolo en una serie de episodios que corresponden a cada uno de esos seis días corrientes en los que la relación de los personajes irá variando al mismo tiempo que reparan averías en diferentes casas cuyas puertas se abren también al espectador. Resulta emocionante acercarse a una película hecha desde el compromiso y la reivindicación que está tan cargada de nobleza y que es capaz, a través de su humor y humanidad, de conectar de una forma tan sincera con el público. - Beatriz Martínez.

La agonía de una saga

Si el título de Cazafantasmas: Más allá de por sí da a entender que la saga a la que pertenece ya está muerta, todo cuanto sucede a lo largo de su metraje no hace sino confirmarlo. Después de todo, esta nueva entrega es tan solo un tosco ejercicio de explotación nostálgica, sobre el papel diseñado para complacer a los fans de Cazafantasmas (1984) pero al mismo tiempo incapaz de entender qué fue lo que de entrada los hizo serlo.

Desde detrás de la cámara, en efecto, Jason Reitman -hijo de Ivan Reitman, director de esa icónica película original- recicla sin reparos el vestuario, los gadgets, los efectos especiales, la música y hasta algunas escenas y frases de diálogo pero, por lo demás, Más allá carece por completo de la ironía, la irreverencia y la anarquía cómica que su modelo derrochaba. Prefiere funcionar como un remedo del tipo de aventuras juveniles en su día patentadas por los estudios Amblin, argumentalmente apoyado en padres ausentes e hijos desorientados y decidido a tocarnos la fibra sensible a toda costa. La diferencia es que aquí ese sentimentalismo tiene muy puco de sincero y muy mucho de manipulador; es solo una cínica estrategia para hacer a las nuevas generaciones partícipes de su obsesión por cosas que sucedieron casi cuatro décadas atrás, y de su desesperación por recapturar algo que, en realidad, ni siquiera entonces era tan especial. - Nando Salvà

Dinamitar con humor los prejuicios

Después de su celebrada ópera prima 'Carmen y Lola', Arantxa Echevarría se aproxima al modelo de cine industrial dentro del cine español sin perder el foco de sus principales intereses: la crítica social y el papel de la mujer en el mundo en el que vivimos. En ese sentido, el cruce entre la mirada autoral y la vertiente comercial resulta un auténtico hallazgo. Un 'timing' cómico impecable, un reparto coral en estado de gracia capitaneado por Belén Rueda y José Coronado, ambos especialmente inspirados y muy divertidos, y un puñado de temas de fondo que nos llevan desde los prejuicios de clase a la cultura de las apariencias. 

'La familia perfecta' dinamita los conceptos sobre los que se sustenta su título desprendiendo buenas dosis de ironía en torno a la deconstrucción de los modelos tradicionales para componer un iluminador retrato, el de una mujer que despierta y toma las riendas de su vida para reafirmar su identidad. Arantxa Echevarría ha firmado una película en la que se dan la mano la jarana y la elegancia formal, un producto 'mainstream' competente que, a pesar de los lugares comunes de su trama y de determinados clichés embellecedores, se encuentra dotado de una sensibilidad alejada de los convencionalismos a la hora de acercarse a los personajes, sobre todo a los femeninos. - Beatriz Martínez.

Virtuosismo con emoción

En las películas de Rodrigo Cortés los personajes siempre se encuentran de alguna manera presos, encerrados en espacios de los que no pueden escapar. En Buried era un ataúd y en El amor en su lugar, el gueto de Varsovia. La cámara del director se adapta a estas dimensiones para sacar el mayor partido posible a través de la puesta en escena. Su virtuosismo siempre parece estar por encima de todo, pero en esta ocasión, además de los planos secuencia y de las virguerías formales hay otros niveles de complejidad que van más allá del mero ejercicio de estilo. 

La película transcurre en tiempo real y sigue a una serie de personajes que se encuentran representando una obra de teatro cómica para los habitantes del gueto. El humor, la necesidad de escapar del dolor a través de la risa se unen a su situación trágica, de forma que todo se acaba entremezclando, la realidad con la ficción, lo que ocurre en el escenario con lo que pasa entre bambalinas a través de unos diálogos brillantes que remiten a Wilder o Lubitsch. Un dispositivo muy complejo que fluye de manera orgánica frente a nuestros ojos para evidenciar la sabiduría e inteligencia de un director experto en utilizar las herramientas del lenguaje sin por ello perder de vista lo más importante: la emoción y la humanidad del relato. - Beatriz Martínez.

Los sonidos de una caja negra

Pierre Niney es un actor francés de semblante curioso y cambiante al que el lector recordará por haber encarnado a personajes reales como el diseñador Yves Saint Laurent, en el filme homónimo, y al hijo del oceanógrafo Jacques Cousteau en Jacques. En 2015, en El hombre perfecto, dio vida a un joven que se hace famoso al publicar a su nombre la novela de un escritor recién fallecido. Aquel tenso thriller psicológico alumbrado por las perversiones de Alfred Hitchcock fue realizado por Yann Gozlan, que se reencuentra ahora con Niney en otro thriller de atmósfera y contenido distintos.

Black Box va, efectivamente, de las cajas negras de los aviones siniestrados, pero su ambicioso relato se fragua en la crítica a la ambición tecnológica desmedida de las grandes corporaciones, que son capaces de sacrificar vidas humanas para fortalecer sus imperios. Niney es el apocado pero experto analista capaz de escuchar los sonidos que nadie oye en las grabaciones de una caja negra, discerniendo de este modo los motivos del accidente. Sobre las causas de una tragedia aérea gira este relato algo estirado en el que su personaje, como si fuera un héroe del cine de Michelangelo Antonioni, se enfrenta a la incomunicación e incomprensión generalizada a medida que avanza en su terrible investigación. - Quim Casas.

Nápoles, Maradona y yo

No es la primera vez que El Pelusa es el centro de una película. Sorrentino se acerca al astro del balón a través de elementos de su propia autobiografía. El director nació en Nápoles, ciudad a la que Maradona llegó a principios de los 80 para revolucionar a su equipo de fútbol. El protagonista de Fue la mano de Dios, título que alude al famoso gol de Maradona con la mano contra la selección inglesa en el Mundial de 1986, es un chico que vive en esa ciudad y esa época, hasta que la llegada mediática del jugador lo cambia todo. No es ni mucho menos una película sobre Maradona, pero juega un papel casi determinante.

En consonancia con el carácter autobiográfico de la propuesta –Sorrentino es, en definitiva, ese chico napolitano a la expectativa de todo–, Fue la mano de Dios resulta un filme bastante menos abigarrado de lo habitual en el director, más seco y conciso si se quiere, púdico porque, por primera vez, habla de sí mismo. - Quim Casas.