Las críticas de cine de la semana: 'Libertad', 'El poder del perro', 'Spencer', 'Última noche en el Soho'...

Carnaby Street en el espejo

A Edgar Wright, que la semana pasada estrenaba su documental sobre el grupo Sparks, se le dan mejor los filmes fantásticos o los thrillers teñidos de comedia y protagonizados y escritos por Simon Pegg (Zombies party, Arma fatal, Bienvenidos al fin del mundo) que los mismos géneros tratados sin la distancia humorística. Última noche en el Soho funciona bien durante su primera mitad, pero después, excesivamente dilatada en su metraje, termina por repetir y reiterar aquellos conceptos, tanto argumentales como visuales, que tan bien le funcionan al principio y tan cansinos o alargados resultan después.

Es la historia de una joven del medio rural que llega a Londres con la intención de convertirse en diseñadora de moda. Arrastra un pasado familiar traumático, ya que su madre se suicidó y ha crecido al cuidado de su abuela. Es introvertida e insegura, y está enamorada de todo lo que tenga que ver con los años 60 londinenses, desde la moda de Carnaby Street hasta las películas de James Bond y las canciones de Petula Clark, Dusty Springfield y Sandie Shaw. Esa sensación de añoranza por un pasado que no se ha conocido está muy bien explicada tanto con el uso de las canciones como con la presencia de rostros que describen a la perfección el cine y la televisión británica de aquellos años, como Terence Stamp, Rita Tushingham (una de las presencias femeninas del Free cinema) y Diana Rigg (la Emma Peel de Los Vengadores, fallecida poco después del rodaje y a quien el filme está dedicado).

Pero además de una reivindicación de la parte lúdica y creativa de aquella época, centrada en las canciones que la joven escucha una y otra vez en su giradiscos portátil y en los diseños que realiza en la escuela de moda, Última noche en el Soho es una película de fantasmas o, mejor dicho, un relato fantasmático y urbano -el Londres pretérito está bien recreado y el actual bien filmado- desdoblado en dos mitades, en dos personajes, la chica actual (la frágil Thomasin McKenzie) y una joven del pasado que quiso triunfar como cantante (la decidida Anya Taylor-Joy).

Los primeros desdoblamientos son espléndidos, construidos mediante el ingenioso uso de los espejos y las imágenes dispares que estos reflejan. La inventiva visual de Wright está fuera de toda duda. Pero a medida que avanza, el relato se hace algo hueco y redundante. Algunos personajes, como el que encarna el siempre atractivo e inquietante Terence Stamp, mantienen su misterio hasta el final, y las dos actrices se complementan bien. Pero a Wright le falla la sugerencia, sacrificada por un exceso de evidencia. - Quim Casas

Entre el tributo y la parodia de Lady Di

Enésima muestra de la patológica fascinación que la cultura popular mantiene por Diana de Gales, Spencer trata de reverenciar a la princesa y, a la vez, de echar por tierra la institución monarquía por su totalitarismo y sus estúpidas tradiciones. Para ello imagina tres días de la Navidad de 1991 durante los que, tal vez, Lady Di comprendió que debía escapar de su matrimonio, el opresivo escrutinio y el esclavo protocolo. Y a partir de esa premisa la película avanza a bordo de simbolismos facilones, frases pomposas e ideas obvias repetidas una y otra vez, envuelta de una estética que quiere evocar el cine de Kubrick pero sobre todo recuerda a un anuncio de perfume caro, y tan insustancial y estrecha de miras como el personaje que tiene en su centro.

El director Pablo Larraín trata de convencernos de que, dado que Diana murió trágicamente, sin duda su vida debió de ser trágica también. Ignorando lo obvio -que, cuando decidió casarse, Diana debía saber dónde se metía-, la retrata exclusivamente como una mujer secuestrada, víctima permanente de una existencia degradante, dolorosa y grotesca. Y entretanto, sin duda involuntariamente, también la presenta como una persona insoportablemente egocéntrica, melodramática y quejicosa, menos una treintañera en crisis que una mimada en la edad del pavo. Justo lo que los Windsor la acusaron de ser. - Nando Salvà

Iluminar las desigualdades

No sirve de nada la perfección de un engranaje narrativo si no resulta creíble, tampoco la elaboración meticulosa de un libreto si no se puede plasmar su esencia en la pantalla. Pero en el caso de Libertad, la ópera prima de Clara Roquet, ambas cosas van de la mano de una manera tan armoniosa como transparente. 

Son muchas las capas que contiene un relato perfectamente trenzado en el que se habla de las diferencias de clase, las desigualdades, las relaciones maternofiliales, la amistad adolescente y el ansia juvenil por descubrir el mundo. Pero lo importante es la elegancia con la que Roquet encaja todos esos elementos dentro de la configuración de un universo tan reconocible como único, un microcosmos femenino cerrado en el que la brecha generacional también adquiere una importancia fundamental. Así, tres mujeres de edades distintas, abuela, madre e hija, se enfrentarán a un momento de sus vidas en el que todo se tambalea a la luz y el calor de un verano revelador que les podrá a prueba. 

Pero lo importante aquí son Nora (la niña rica) y Libertad (la hija de la asistenta de la familia), su acercamiento y su aprendizaje juntas y su camino no solo de autodescubrimiento, sino también de asimilación de los estigmas sociales que las rodean y condicionan, que irremediablemente las separan para siempre. - Beatriz Martínez.

Mordiscos de maestría

Un horizonte árido dominado por una tierra de hombres. El mito del vaquero, la esencia del western, toda esa inabarcable herencia y una directora, Jane Campion, que aborda ese género pedregoso y violento desde una perspectiva autoral a medio camino entre el respeto y la reformulación. 

Para ello, adapta la novela homónima de Thomas Savage, de la que logra extraer todo un complejo microcosmos humano a través de una narración coral en la que una serie de personajes se irán pasando el testigo unos a otros al mismo tiempo que gravitan alrededor de una figura totémica: la de un hombre que con su odio intoxica todo lo que le rodea (Cumberbatch) y que se esforzará en humillar sistemáticamente a la mujer (Dunst) de su hermano (Plemons) utilizando a su hijo para ello (Smith-McPhee).

Cada encuadre le sirve a Campion para enmarcar los deseos frustrados de sus personajes sin necesidad de que digan una sola palabra. Su dominio de la planificación es tan apabullante que consigue que la pantalla se llene al mismo tiempo de belleza y de perturbación, de poesía y dolor a través del choque constante que se establece entre lo masculino y lo femenino, entre la represión de la identidad sexual y la angustia que genera vivir atrapado por el deseo. 

El poder del perro es una película tan visceral y atávica como también profundamente mental (y lírica). Hay momentos que remiten a El piano, otros a Bright Star, pero su dimensión tiene otro cariz, mucho más sibilino. Campion tiene la habilidad de introducirse en el interior de los personajes al mismo tiempo que los retrata en el entorno que habitan. El paisaje emocional y la naturaleza inmutable. Las pugnas de poder en un mundo a punto de desaparecer. Una obra majestuosa y abrumadora. - Beatriz Martínez

La estrella y su vecino

La acción de este primer filme como director del actor Daniel Brühl arranca en un lujoso y ordenado ático berlinés. El protagonista, también actor, se levanta de la cama, prepara el desayuno y ensaya un texto. Su esposa sigue en la cama y sus dos hijos pequeños, bastante revoltosos, están al cuidado de una criada latinoamericana. Se arregla cuidadosamente, sale a la calle y, como tiene tiempo de sobra antes de tomar el avión hacia Londres, donde tiene un casting para protagonizar una película de superhéroes, decide tomar un café en un bar cercano, en la puerta de al lado. Craso error. Allí encuentra a un vecino, al que apenas conoce, que se convierte en lo más parecido a su némesis.

Como si se tratara de la escenificación de un relato de superhéroes cotidianos, actor y vecino conversan, discuten, rivalizan y se ensañan el uno con el otro hasta que el vecino empieza a explicarle demasiadas cosas que sabe de él. Brühl se rige por las reglas del texto, el espacio inalterable –el bar– y las interpretaciones, en un duelo en el que, al final, no hay vencedor ni vencido tanto en la ficción como en la realidad: Brühl está bien, casi auto-parodiándose a sí mismo como estrella cinematográfica con no pocas manías y ego, y Peter Kurth, el vecino díscolo, lo manipula a su antojo con sobriedad. - Quim Casas